Quasi un bilancio

Una volta di più la giuria principale riesce a spiazzare pubblico e critica. Tra i film premiati dalla giuria presieduta da Apichatpong Weerasethakul non ce n’è nessuno di quelli che erano dati come favoriti. L’austriaco Der Glanz des Tages porta a casa solo il pardo per la miglior interpretazione maschile, l’americano Starlet resta a bocca asciutta e al danno si aggiunge una po’ di beffa visto che i giurati gli hanno preferito il connazionale Somebody up there likes me (Premio speciale). Ignorata anche Une estonienne a Paris e la bravissima 83 Jeanne Moreau che ne è coprotagonista: la giuria ha scelto la dolente madre di An Nai nel film coreano When Night Falls e ha assegnato una menzione speciale al personaggio (avete letto bene non a un interpete!) di un film peraltro apprezzato da pubblico e giornalisti e già considerato un cult, A ultima vez que vi Macau. Motivazione: «per la sua forte presenza attaverso l'assenza». Renato Pozzetto - a Locarno per un tributo - ha fatto scuola!
Per carità nessuno scandalo: la giuria premia chi vuole con le motivazioni che preferisce, e le polemiche sul palmarès sono storia nota di ogni edizione del Festival (e non solo di quello di Locarno).
Semmai come già sottolineato lascia perplessi la compresenza di generi talmente diversi da chiedersi come possano essere comparati. Sollecitato in conferenza stampa il presidente della giuria Weerasethakul ha risposto telegraficamente: «a film is a film».
Bene comunque tante sezioni aperte a diverse forme di espressione cinematografica, benissimo l’Histoire du cinéma con pellicole che recuperano ulteriore significato affiancate a opere più recenti, splendide le retrospettive (chi ci proporrà Père a trilogia conclusa?) e sempre degna di attenzione la Semaine de la critique con i suoi documentari. Restiamo poco convinti invece dall’abbondanza di documentari, mezzi documentari, quasi documentari, o pura sperimentazione visuale anche in concorso.
Un festival è una vetrina, un’occasione di scoprire e farsi scoprire: uno dei registi presenti in concorso mi ha detto in questi giorni di trovare frustrante rispiegare in interviste e conferenze stampa quello su cui ha lavorato per mesi e condensato in 90 minuti di pellicola. Probabilmente ha ragione. In dieci giorni si assommano così tante storie, incontri e interviste che è difficile per tutti (professionisti e appassionati) mantenere costantemente adeguata la soglia di attenzione, formulare domande intelligenti e, soprattutto, porsi quelle giuste.
Si possono solo accumulare le sollecitazioni, le suggestioni, le impressioni. E poi lasciare che, sedimentando, ci spingano ad approfondire le scoperte, a trovare qualche risposta, giusta o sbagliata che sia. Magari anche con l'aiuto delle proposte di queste pagine che consegnamo agli archivi congendandoci dalla 65. edizione del Festival di Locarno.
Appuntamento tra un anno dal 7 al 17 agosto 2013.
Monica Bonetti

Ricordiamo che nella giornata di domenica le opere premiate vengono riproposte alla Sala e all'Altra sala secondo il programma disponibile nel sito ufficiale del Festival
(ore 22:01)

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A tutto Pozzetto

Faccia da ragazzo di campagna nonostante i capelli brizzolati, parlata lombarda tipica, tanto stropicciata nei suoi film, e immancabile comicità surreale. Renato Pozzetto snocciola a Locarno aneddoti a ripetizione per il divertimento del pubblico e pure di un cane che abbaia di gusto. Degli esempi? L'attore italiano se la "prende" con i corvi meccanici usati ne Il ragazzo di campagna perché poco credibili, racconta l'imbarazzo e la tortura di una scena nella vasca da bagno con Edwige Fenech e ricorda che, sul set del primo film, la telecamera era rumorosa come un "tritacarne".
A suon di cabaret con Cochi e Renato
Nato a Milano nel 1940, a causa della guerra scappa con la famiglia a Laveno, dove incontra il suo amico Cochi. Con lui sperimenta canto e comicità nel teatro dell'oratorio per poi approdare nell'ambiente del cabaret meneghino. Di soldi all'inizio ce n'erano pochi, Pozzetto prendeva 6'000 lire a serata. "Facevamo cabaret per noi, per divertimento e per raccontare un mondo surreale. Non avevamo nulla da perdere",dice. Poi è arrivato il cinema, quello popolare (Le Comiche, Grandi Magazzini) e quello impegnato (Oh! Serafina), e la tv tra Roma e Milano, città quest'ultima dove il suo cuore si sente a casa.
Angelica Isola (TXT) (ore 16:10)

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Mi piace, non mi piace

• Mi piace che il direttore Père tenga aggiornato il suo blog anche nel pieno della rassegna, fornendo le proprie ragioni per le scelte effettuate
• Non mi piace che i rappresentanti delle aziende che sponsorizzano i vari premi confondano il pubblico della piazza con la propria assemblea degli azionisti
• Mi piace che sia stato rimesso in funzione il Palavideo, con la consueta e stimolante programmazione 'alternativa'
• Non mi piace che sia così difficile andare a piedi dalla piazza al FEVI senza passare per la bolgia della Rotonda
• Mi piace che sia aumentato il numero delle repliche. Il percorso del festivaliero è complicato, giusto andargli incontro
• Non mi piace che il Prix du Public sia poco trasparente. Quanti hanno votato? E per chi?

Mario Conforti (ore 13:23)

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Fueter, 45 anni nella produzione

Per la sua attività costellata di documentari, corti, sceneggiati e film, come Grounding - Die letzten Tage der Swissair (dedicato al crollo di Swissair), il produttore elvetico Peter-Christian Fueter è stato premiato a Locarno con il pardo alla carriera. Quarantacinque anni al servizio della settima arte. Questo premio si aggiunge all'Oscar ottenuto con Reise der Hoffnung (da lui prodotto) per il miglior film straniero nel 1991. Maestro nel sostenere pellicole sulla storia e la letteratura rossocrociata, lo zurighese ha mosso i primi passi nel teatro prima di lanciarsi nel mondo di celluloide con la Condor Films.

Per entrare nella casa di produzione di famiglia, Fueter ha posto come condizione la realizzazione di film lungometraggi. È stata una sfida impegnativa. Negli anni '70-80' non c'era un ritorno economico. "Allora si era dei mecenati" dice aggiungendo però che l'obiettivo non era il botteghino. Poi le cose nel settore sono cambiate in meglio, ma il ruolo del produttore non è ancora "apprezzato a sufficienza in Svizzera". Un ruolo che comporta contatti con attori e registi. Di Nino Manfredi ricorda il carattere pazzerello, di Paolo Villaggio e Michael Steiner la professionalità.
Angelica Isola (TXT) (ore 12:20)

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A Leviathan il premio meno ambito

L'attesissimo premio che Rete Tre attribuisce dal 1998 all'opera che maggiormente ci ha annoiato al Festival del film Locarno (film più noioso, non più brutto): Zebedeo d'oro. Un premio mutaforme, che cambia ad ogni edizione e che quest'anno si è manifestato con la splendida figura animalesca qui ritratta (altro che leopardi).
Ad aggiudicarsi lo Zebedeo d'oro 2012 è Leviathan di Lucien Castaing-Taylor e Verena Paravel, in Concorso internazionale, che vorrebbe essere un ritratto cosmico di una delle sfide più antiche dell'umanità ma si rivela invece una cosmica rottura di scatole (fatta comunque molto bene eh). Nel rispetto della tradizione di Rete Tre, noi attribuiamo il premio ma non ci assumiamo: a) le responsabilità per quanto decretato, e soprattutto: b) l’ingrato compito di consegnarlo al regista in questione!

Menzioni speciali: abbiamo nominato “While we were here”, di Kat Coiro, l’opera più noiosamente snob del festival 2012! Menzione speciale anche a “Das Missen Massaker” dello svizzero Michael Steiner, che si è aggiudicato il titolo per essere stato il film che ha suscitato più “ma perché?” tra il pubblico. Abbiamo aggiunto molto volentieri anche una menzione speciale per il film con il titolo più impronunciabile del Festival: trattasi di “Wo hai you hua yao shuo” di Liang Ying.

(ore 11:57)

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Polvo - La critica di Chiara Fanetti

La polvere s'infila ovunque e anche quando sei convinto di averla tolta ricompare lentamente, di nascosto, senza far rumore. È solo un'illusione la sua scomparsa: in effetti non c'è un momento in cui la polvere è totalmente assente. Ogni tentativo di debellarla è vano. La polvere poi irrita: provoca reazioni allergiche, colpi di tosse, fastidi respiratori; la polvere "disturba" il corpo umano con la sua presenza costante in cui siamo "immersi".

Ci sono cose che si possono nascondere sotto la polvere, che si deposita con lo scorrere del tempo e della storia, ma la loro esistenza persiste e influenza il quotidiano, il presente: la loro scomparsa è solo illusoria. Come i corpi delle vittime della guerra civile guatemalteca, avvenimento storico che in modo un po' incerto sta alla base di questo film di Julio Hernández Cordón. "Incerto" perché è attraverso due storie molto personali, quella di Juan e Ignacio, che Cordón ricorda gli avvenimenti che hanno sconvolto il Guatemala dal 1960 al 1996. "Incerto" è anche il terreno su cui l'incrocio di storie si muove: se da un lato è chiara la volontà del regista di affiancare due personaggi maschili molto diversi per contesto sociale ed economico e per storia personale, dall'altro la scelta di affrontare più strade, più storie, confonde e annoia lo spettatore che non riesce più a capire che film sta guardando (non che sia sempre necessario ma anche la confusione va in qualche modo "organizzata" per ottenere buoni risultati). Polvo, polvere, è un film che ha scelto di parlare di un dramma storico attraverso due singole storie personali: un'idea intelligente e coraggiosa che però si perde con lo scorrere del film e che presenta dei personaggi piuttosto deboli con cui non si riesce ad istaurare alcun rapporto, un vero problema per una storia che ha scelto di basarsi proprio su vicende molto personali ed intime.
(ore 11:55)

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Einstein e le api

Esiste una teoria sorprendente ma molto seria (formulata dal grande studioso dell'evoluzione Richard Dawkins) secondo la quale le idee sarebbero entità simili agli esseri viventi, in grado di riprodursi e moltiplicarsi, di svilupparsi o di estinguersi, passando di testa in testa attraverso i mille canali della comunicazione umana. Così come alla base dell'evoluzione biologica vi sono i geni, per le idee Dawkins ha coniato il temine di "memi".
Cosa c'entra tutto questo con il cinema? Beh, in tutti comunicati relativi al film di questa sera "More than Honey" viene ripetuto che secondo Albert Einstein se le api scomparissero all'uomo non resterebbero più di quattro anni di vita. Una frase preoccupante, soprattutto in relazione alle recenti morìe negli alveari, e attribuita ad un indiscutibile genio. Ecco un bel meme, dotato delle caratteristiche ideali per girare il mondo e passare di testa in testa. Come non utilizzarlo per la propaganda di un film che parla proprio di questo argomento?
Il fatto è che chi ha fatto ricerche su questa affermazione non ha trovato nessun riscontro anteriore al 1994. Questo significa che in nessuno degli scritti di Einstein (morto nel 1955) figura tale frase, e che nessuno l'ha riportata. In quell'anno, invece, viene pubblicato un pamphlet distribuito dagli apicoltori belgi nel quale la presunta profezia compare per la prima volta. Una trovata pubblicitaria dunque, degna di cotanto genio e tutto sommato escogitata a fin di bene.
Ma i memi sono molti e sono ovunque. Ve ne sono di nocivi, addirittura di mortali. Come i batteri o i virus nei nostri corpi, entrano ed escono in continuazione dalle nostre teste. Fortunatamente il nostro ruolo non è passivo. Così come le cellule producono gli anticorpi, anche le menti dispongono di armi per ostacolare il diffondersi di pericolose infezioni. Un sano esercizio dello spirito critico, e una giusta dose di scetticismo.
Mario Conforti (ore 09:03)

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Piazza Grande per i più piccoli

Appuntamento come ogni anno a festival concluso con il cinema per le famiglie grazie al gruppo genitori locarnese. In programma quest'anno il film L'incredibile storia di Winter il delfino, diretto da Charles Martin Smith (USA 2011), che nel cast annovera anche Morgan Freeman.

Ispirato alla storia vera del delfino Winter e della comunità che si unisce per salvargli la
vita, il film racconta l'incontro tra il giovane delfino e l'undicenne Sawyer, ragazzino problematico e chiuso nel suo mondo, che si aiutano e sostengono a vicenda nel superare uno dei momenti più difficili nella loro vita: per il delfino la perdita della coda dopo essere rimasto impigliato in una
trappola per granchi, per il ragazzo la mancanza del padre che lo abbandonato alla nascita.
Tornare a nuotare e a vivere sarà per entrambi una conquista da guadagnare con l'aiuto dell'intera comunità.

L'appuntamento è per domenica 12 agosto alle 21.00 in Piazza Grande a Locarno (o al FEVI se piove, informazioni al tel. 1600). Prevendita: Ente Turistico Lago Maggiore. (ore 08:57)

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Il CISA si apre e cerca nuove collaborazioni

Una volta i creativi s’incontravano nei caffè degli artisti e si cresceva a bottega dei più grandi, ma oggi come si diventa un protagonista rinomato del mondo cinematografico? Una delle strade è frequentare una scuola di cinema, pur conoscendo talenti, come Michael Fassbender, che non hanno mai visto una scuola di cinema dall’interno. Un articolo dell'Hollywood Reporter, rivista statunitense di cinema, insieme a Variety, uno dei giornali più importanti del panorama cinematografico americano, elenca le scuole di cinema più importanti al mondo, fra queste anche il Centro sperimentale di cinematografia (Csc) di Roma nato oltre 75 anni fa. Al di là delle scuole, eventi importanti come il Festival del film di Locarno organizzano incontri come la Summer Academy, forum come Teaching Cinema, appartenenti alla sezione d’interesse internazionale Industry Days, e incontri intitolati Scuole senza frontiere: giovani autori in formazioni tra Svizzera ed Italia. Si tratta di eventi pensati per agevolare e migliorare la crescita creativa dei giovani che vogliono lavorare nel cinema.
Giovedì 9 si è svolta ha la tavola rotonda condotta da Domenico Lucchini, direttore del CISA (Conservatorio Internazionale di Scienze Audiovisive) in cui si è discusso insieme a Lucie Bader (Réseau Cinéma), Franco Bernini (Csc), Bartolomeo Corsini (Csc) e Lara Fremder (scuola di cinema e televisione, Milano) della nuova collaborazione avviata dal CISA con il Centro Sperimentale di cinematografia di Roma. L’accordo di cooperazione prevede l’organizzazione di laboratori dove sperimentare nuove forme espressive e corsi teorici che possano ampliare l’offerta fornita dalle due istituzioni cercando di facilitare ed estendere le relazioni e gli scambi con altre scuole internazionali di cinema.

Collaborazioni sicuramente molto interessanti per i giovani aspiranti registi perché l’aumento della mobilitazione e l’aiuto del web rendono gli scambi sempre più facili, accessibili e veloci. Durante l’incontro si è accennato anche all’idea di creare insieme una “banca dati di storie”, a cui possano avere accesso tutte le scuole europee. In questo modo, se uno studente di Zurigo è interessato ad una storia scritta da uno studente di sceneggiatura di Roma, si può pensare ad una eventuale realizzazione del progetto insieme. Tutti convinti dell’urgenza e dell’importanza di scuole che sappiano guardare oltre i nostri piccoli confini: siamo curiosi dei risultati a cui stimoli porterà la collaborazione tra CISA e Centro Sperimentale.
Milena Stokar (ore 19:02)

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Movimenti estremi

L'attenzione dei giornalisti è focalizzata da Eric Cantona e da sua moglie Rachida Brakni, ma il personaggio più singolare del cast di Les mouvements du bassin è sicuramente il suo regista HPG, alias Hervé Piere Gustave, porno star di film hard, produttore e realizzatore degli stessi, alla seconda prova con un lungometraggio (il primo è On ne devrait pas exixter selezionato nel 2006 a Cannes per la Quinzaine des réalisateurs), dopo aver realizzato un abbondante serie di diari filomati sulla sua attività.
Come il personaggio che interpreta HPG si muove compulsivamente tanto che se la sua presenza non fosse tanto intimidatoria verrebbe da mettergli una mano sulla spalla per provare a fermare quel continuo oscillare da coniglietto Duracell... Come il suo personaggio appare sfuggente e ai limiti dell'autismo nel rispondere elusivamente alle domande che i giornalisti gli pongono alternandole a quelle a Eric Cantona rigorosamente accoppiato al regista nelle sedute con la stampa... Eppure, come sottolinea Rachida Brakni, questa storia e questo personaggio così borderline ha anche una fascinazione del tutto particolare solo in parte legata al voyeurismo che suscita un personaggio che ha interpretato oltre 600 pellicole porno. Eric Cantona ha detto che realizzare questo film è stata un'avventura straordinaria per la capacità di HPG di farti entrare nel suo particolarissimo universo. Un'universo che allo spettatore appare nichilista e di una desolante solitudine, ma in cui non manca un sarcasmo vivace ed estremo come tutto ciò che riguarda il regista francese.
Monica Bonetti (ore 18:20)

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Les Mouvements du bassin

I movimenti di bacino di... Eric Cantona

È arrivato Eric Cantona e c'ero anch'io. Cantona all'Old Trafford che mette gol da favola e attacca uno spettatore che lo insultava con un colpo di kung fu era un'icona, Cantona con cappello di paglia e barba curata che passeggia per le vie di Locarno è un coup de coeur. Nell'intervista si trattiene molto, gioca il proprio ruolo, non vuole domande sul calcio e non gli si strappa nulla. Per fortuna se evochi la parola "ribelle" un po' si anima e difende la propria scelta di stare sempre dalla parte di chi non vuole entrare nel gregge. Cantona è un attore che sceglie progetti complicati: con Ken Loach in "Looking for Eric" ha fatto centro, con HPG, attore porno alla seconda prova nel cinema "tradizionale", sfida soprattutto i pregiudizi. Il film è duro, secco, incrocia storie complesse di donne e uomini in cerca di identità. Cantona interpeta un magnaccia che va in crisi quando la sua donna si accorge che anche lui ha paura. Tutto si risolve alla Cantona: un atto di violenza per rimettere le cose a posto. Film non banale, ma nemmeno troppo provocatorio, con HPG protagonista un po' schizzato, Cantona in perfetto stile Cantona e Rachida Brakni (moglie di Eric nella vita) che dà una bella prova di attrice. Non vincerà premi, probabilmente, ma farà discutere.
Maurizio Canetta (ore 18:05)

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Das Missen Massaker

Dopo aver ucciso Swissair, Michael Steiner uccide le Miss

Dalla morte di Swissair alla morte delle donzelle di Das Missen Massaker. Michael Steiner, che fu il regista anche di Grounding (2006), se la ride di gusto in conferenza stampa e risponde alle domande con battute continue, più o meno riuscite: "Nel film non c'è una miss ticinese perché è morta prima che iniziassimo le riprese". Le frecciatine di Steiner sono rapide e insistenti; persino la traduttrice si alza in piedi e gli chiede di rallentare. C'è da sperare che la signora sia ancora viva, dato il tema della pellicola, ossia la morte delle ragazze in gara per Miss Svizzera. Das Missen Massaker, già definito "Toblerone dell'horror", è il film del venerdì sera in Piazza Grande: una commedia che fa paura, con omaggi più o meno velati ai gialli italiani e ad alcuni classici del genere. Anche la colonna sonora è un viaggio nei favolosi anni '80. "I dischi italiani di quegli anni sono la mia passione" ammette Steiner "e il pezzo forte è Vamos a la playa". Un brano dei Righeira, risalente al 1983. "Tutte le scene girate sull'isola sono un distacco tematico dal resto del film", un distacco ottenuto, appunto, viaggiando all'indietro nel tempo. Michael Steiner ha girato film molto diversi tra loro, riciclandosi costantemente. Egli stesso lo ammette e si dice felice di ciò: "Io voglio reinventarmi, come facevano i registi degli anni '50. Ogni tema mi va bene, purché io riesca a svilupparlo. E' sempre una nuova sfida". Poi fa una digressione sul cinema di genere: "Sta tornando in Europa. Gli italiani non lo fanno più, ma negli anni '70 erano maestri. Certo è pericoloso, lo è stato anche per noi, che in più lo abbiamo fatto con un cast sconosciuto, ma penso che abbiamo trovato i talenti giusti". Steiner è un regista ingombrante e rischia di oscurare le attrici, ovviamente dei bocconcini non indifferenti: "Quando ho girato il film ho fatto ciò che voi giornalisti fate ora: ho guardato e sono stato zitto". Risate. Le ragazze ci tengono poi a precisare la loro serietà: "La parte va presa sul serio; certo, prendere sul serio il film è un'altra cosa", dice Lisa Maria Baerenbold. Le fa eco Meryl Valerie, la protagonista: "Jasmin non vuole vivere in quel mondo, come è invece il caso di tutte le altre concorrenti. Lei ci viene trascinata". Una difficoltà in più nell'interpretazione.
Angelo Dandrea (TXT) (ore 15:02)

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Motorway

Johnnie To, da Hong Kong con furore per cambiare il mercato del cinema asiatico

Il regista e produttore cinese Johnnie To, Pardo alla carriera 2012, venerdì ha incontrato il pubblico allo Spazio cinema a Locarno, all'indomani della proiezione in Piazza Grande del film da lui co-prodotto Motorway, girato da Soi Cheang. Occhiali scuri, camicia bianca, discreto carisma asiatico. Ad ascoltare To c'erano poche persone, nonostante egli abbia il merito di aver rivoluzionato il cinema di Hong Kong: prima come regista, all'inizio degli anni '90, e poi anche come produttore, fondando nel 1996 la casa indipendente Milkyway Image. Non è mai chiaro quanto tempo Johnnie To intenda investire per girare un film: "Non so mai quando termineranno le riprese; potrebbero volerci due anni, a volte rimetto mano alla sceneggiatura a lavori in corso. Mentre facevo PTU (2003) ho girato altri sette film". To non è un personaggio che tutti conoscono; forse è più un volto noto ai cinefili. Un uomo che per sua stessa ammissione non ha una formazione specifica nel cinema: "Ho iniziato con le produzioni televisive, ai miei tempi si poteva ancora fare, mentre i giovani cineasti di oggi devono subito essere pronti per il grande schermo". La storia di Johnnie To e dei suoi film si fonde inesorabilmente con la storia di Hong Kong: "Negli anni '80 i registi volevano descrivere le peculiarità di questo paese, c'era il desiderio di descrivere la crisi finanziaria. Anche i film di genere, ad esempio, contenevano aspetti quasi documentaristici". "Hong Kong è una realtà unica al mondo": il pensiero di To è questo ed emerge in tutto ciò che dice. Lui stesso lo ha vissuto sulla pelle, dato che ha fondato la Milkyway Image nel 1996, un anno prima che Hong Kong tornasse in mani cinesi: "Era importante affrontare il cambiamento, anche nei film". Oggi Johnnie To è un produttore fondamentale per Hong Kong: "C'è una cosa che noi abbiamo e il resto della Cina non ha, è la libertà di espressione ed è di questo che vogliamo convincere la nuova generazione di registi. E' un'idea in cui devono credere". Un ruolo importante dunque, nascosto da un basso profilo che To mantiene costantemente, sia che si parli della sua produzione cinematografica, sia che si parli del suo ruolo nella società: "Lavoro ogni giorno dell'anno, dunque non sono così consapevole di ciò che faccio; di certo non mi sento un eroe, sono una persona normale". Il mercato cinematografico asiatico è in espansione, ma deve fare i conti con la crisi economica, come tutto e come tutti: "E' un periodo difficile anche per me, le commedie e i film d'azione non sembrano attirare il pubblico, ma dobbiamo continuare a prendere delle iniziative, abbiamo il dovere di fare delle cose". "Seguo il mio cuore - prosegue - se sento il bisogno di girare un film lo giro. Certo anche io ora faccio fatica a reperire i finanziamenti. Se trovassi dei fondi per girare un film, inizierei anche senza avere in mano una sceneggiatura".
Angelo Dandrea (TXT) (ore 14:57)

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Playback - La critica di Cristina Foglia

113 minuti di bianco e nero per un gruppo di amici che ciondolano da un luogo all’altro, nello spazio e forse anche nel tempo. Una star del cinema apatica, barba lunga e camicia stazzonata, fra giovani in completo nero che fanno tanto Mastroianni e vitelloni. E’ un susseguirsi di situazioni piatte e volutamente – forse- prive di drammaticità. Inquietudine, la sensazione di mancanza di una direzione nella vita. Questo ci passa il film di Sho Miyake, classe 1984, un giapponese di montagna che ha studiato a Tokio. Vuol darci un’idea di smarrimento che non è solo del protagonista e degli altri personaggi (sua madre, i suoi amici, gli sposi che si uniscono col rito cattolico) ma anche dell’intera nazione giapponese, provata negli ultimi dieci anni da condizioni economiche sempre più difficili. Per non parlare della tragedia di Fukushima , che cita di striscio , sottotono, in pieno stile nipponico: solo un pezzo di strada dissestata dal terremoto. Un film lento e impegnativo. Troppo per quello che dà allo spettatore
(ore 09:12)

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Motorway

Un film sulla velocità con velature di cultura cinese

Giovedì è il giorno di Motorway, una pellicola asiatica co-prodotta da Johnny To, Pardo alla carriera 2012. To che però alla presentazione del film non si è visto, mentre erano presenti il produttore Shan Ding e ovvimente il regista Soi Cheang. «È un poliziesco classico» ammette Ding, spiegando che la storia è stata scritta nel 2004 da un americano. «Avevamo dei dubbi, perché conteneva molte scene d'azione, il che si traduce sempre in alti costi di produzione. Nel 2008 però, Soi stava finendo un lavoro e io gli ho proposto questo, chiedendo di dare un taglio diverso». Motorway è soprattutto la storia del rapporto tra un maestro (della guida) e il suo allievo, allievo che crescerà non solo tecnicamente, ma anche dal punto di vista spirituale. «È un concetto che sta alla base della cultura cinese - spiega Ding - ed è ciò che voglio trasmettere al pubblico. Il ragazzo deve imparare a rispettare l'insegnante e viceversa». Più Cheang parla del film e più è chiaro quanto Motorway non sia la classica pellicola tutta gas e virgole nere sull'asfalto: «Il mio autista è un uomo vero; non volevo uno di quei film dove tutto è elaborato a computer». Anthony Wong è la star di Motorway, ma Ding assicura che non è stato scelto perché membro di rilievo dello starsystem asiatico, bensì per le sue doti e per l'affinità con il personaggio che interpreta: «Ad esempio gli piace molto guidare, anche se oltre alla velocità per noi sono importanti altre cose». «Wong - aggiunge Cheang - è uno dei migliori attori di Hong Kong e porta unicità alla pellicola. Inoltre il personaggio che interpreta (un pensionato) è come lui: pigro. Dopo le prime riprese, Wong ci è sembrato addirittura troppo pigro, ma riguardando il tutto ci siamo resi conto che in realtà era perfetto».
Angelo Dandrea (TXT) (ore 09:06)

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Buon lavoro giurati!

A lista dei film quasi esaurita (alle visioni stampa manca ormai solo Polvo in programma nel pomeriggio), critici e giornalisti cominciano ad azzardare la roulette del totopardo. Tra i preferiti dalla critica spicca il film austriaco Der Glanz des Tages. Apprezzato anche Starlet portabandiera degli indie movie americani presente con ben 4 titoli nella selezione ufficiale. Una presenza cospicua tradotta in una adeguata copertura mediatica almeno sul web da parte della stampa statunitense.
Comincia quindi il lavoro dei giurati confrontati con generi davvero eterogenei... Certo è ormai una tendenza universale quella di inserire documentari, film d'animazione o prodotti che si avvicinano alla videoarte più che alla fiction (provate a guardare almeno lo spezzone di Leviathanse non riuscite a vederlo integralmente), nelle selezioni ufficiali. E certo non è scritto in nessun regolamento che il concorso debba presentare solo film di finzione. Una delle caratteristiche di Olivier Père è proprio quella di essere un cinefilo onnivoro, innamorato della diversità di generi e linguaggi con cui il cinema può e sa esprimersi. Caratteristica che ha impresso a ciascuna delle tre edizioni del Festival di Locarno create finora, e che in termini di pubblico gli ha sicuramente dato ragione.
Resta semmai da capire come lavori tanto distanti possano essere confrontati da una giuria per arrivare a un palmarès...
Monica Bonetti (ore 08:41)

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Arnon Milchan, l'uomo che cambiò Hollywood ubriacandosi con Sergio Leone

Dopo aver ritirato martedì in Piazza Grande il premio Raimondo Rezzonico per il miglior produttore, Arnon Milchan ha parlato giovedì con il pubblico, in un incontro moderato dal direttore artistico del Festival, Olivier Père, che l'ha accolto così: "Sono cresciuto con i tuoi film" - "Allora non finirai mai di crescere, diventerai un gigante". Milchan è uno dei produttori più prolifici e di successo degli ultimi 25 anni con oltre 100 pellicole all'attivo, di cui tre in cartellone a Locarno: C'era una volta in America (Leone, 1984), Re per una notte (Scorsese, 1983), Brazil (Gilliam, 1985). "Ero solo un ragazzino affascinato dalle biografie degli artisti - esordisce Milchan - poi ho fatto dei soldi nel campo farmaceutico, aerospaziale e agricolo". Poi a 21 anni, quando si trovava nella sua Israele, ha incontrato Elliott Kashner, che allora girava un film con Elisabeth Taylor: "Mi chiese se volevo conoscerla". "Mi chiusi in bagno e chiamai mia madre per dirglielo", spiega ridendo. "E ci andai, ma poi mi resi conto che Kashner aveva altri progetti e mi ritrovai a finanziare uno dei peggiori film che io abbia mai fatto". Fu l'inizio di una brillante carriera da produttore. Per caso nacque anche C'era una volta in America. "A Cannes vidi uno che pareva Buddha o Orson Welles: era Sergio Leone. Mi spiegò che da anni cercava di girare il film, ma i produttori volevano gli spaghetti western. Poi mi chiese se parlassi francese e io risposi che avevo anche divorziato in francese". Fu così che Leone passò le ore a raccontare quel film e Milchan decise subito di finanziarlo: "Avrei investito tutti i miei soldi". Poi l'immancabile aneddoto: "Ebbi problemi con i sindacati USA, poiché la troupe era quasi solo italiana. Dovetti assumere degli americani, fingendo che lavorassero". Brazilè un'altra pietra miliare nella produzione di Milchan: "Era un periodo in cui avevo dovuto dire no a Polanski, perché costava troppo; gli dissi che o mantenevo lui o i miei figli". Eppure proprio tramite il regista polacco ebbe modo di incontrare Gilliam: "Eravamo al bar, Roman sparì con due donne e io mi misi a parlare con Terry. Ci ubriacammo". Il giorno seguente Milchan chiamò l'avvocato per dirgli che avrebbe prodotto Brazil: "Che film è?" - chiese il legale - "Non so, non ho capito". E a quanto pare nemmeno Gilliam sapeva davvero ciò che stava facendo. La storia che più colpisce riguarda Pretty Woman: "Dovevano farlo Sean Connery e Michelle Pfeiffer, ma mi lasciarono a due settimane dalle riprese. Vidi Julia Roberts per caso in un film e le feci fare un provino". La produzione sollevò dei dubbi sul fatto che potesse impersonare una prostituta, ma io - e non vorrei offendere nessuno - dissi che ogni donna avrebbe potuto farlo". Per la parte maschile fu Richard Gere a chiamare Milchan, dato che in quel periodo non gli andava bene quasi nulla. E fu un successo: "È probabilmente il film più visto della storia, secondo me anche più di Avatar" sostiene Milchan.
Angelo Dandrea (TXT) (ore 18:19)

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Leviathan - La critica di Moira Bubola

Un grosso peschereccio. Paranchi, argani, funi, pescatori con le cerate e i guanti e tanto pesce di tutte le dimensioni, le forme e i colori. Il documentario di Lucien Castaing Taylor, regista e antropologo e di Véréna Paravel, regista di Foreigns Parts premiato a Locarno come migliore opera prima nel 2010, è un lavoro che mette la provocazione della video arte a servizio di un’esperienza in presa diretta. Non ci sono musiche, ma solamente i rumori dei motori e gli stridii dei gabbiani che accompagnano immagini realizzate così da vicino da far sì che gli oggetti perdano i loro contorni. I registi, con una scelta estrema e coraggiosa, hanno raccontato l’eterno scontro dell’uomo con la natura realizzando con decine di piccole videocamere appese in ogni punto del peschereccio una serie di quadri: nature morte che riportano alla mente la drammaticità della pittura barocca.
Leviathan non è un documentario è un’esperienza estetica. Assolutamente da vedere.
(ore 15:20)

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Tanta simpatia, una sola auto

Si chiamano Ilenia, Vittoria, Tiziana, Corinne e Maura, e sono le vincitrici del concorso Liberalauto! di ieri. Cosa hanno fatto? Una di loro è andata alla pagina dedicata al Festival nel sito Liberalauto!, ha proposto di condividere un passaggio per Locarno, e le altre sono state ben felici di cogliere l'occasione. Strada facendo si sono scattate la foto che vedete a lato, l'hanno portata allo Stand RSI alla Magnolia (di fronte alla Posta) e hanno ricevuto il premio. Non solo, hanno anche potuto parcheggiare il maggiolino blu in uno degli spazi riservati a chi viene al Festival condividendo l'auto.
Allegria, cinema e rispetto per l'ambiente. Cosa si può volere di più? Approfitta anche tu di questa possibilità. Il prossimo premio potrebbe essere tuo! (ore 15:09)

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Playback - La critica di Paolo Cortinovis

A Locarno Sho Miyake, regista ventottenne giapponese, ha portato la sua opera prima, di cui ha curato non solo la sceneggiatura ma anche il montaggio e la produzione. Un film che parla di un attore sulla quarantina che, insoddisfatto del suo lavoro e della piega che ha preso la sua vita, sogna la propria morte. Poi a un certo punto, in viaggio verso la sua città natale per andare al matrimonio di un amico, si addormenta e al risveglio si ritrova all’epoca della sua adolescenza, in un corpo però adulto. L’idea di rivivere il proprio passato non è certo nuova nel cinema, ma qui la volontà del regista di trasmettere il disagio e la confusione di cui è preda l’attore quarantenne finisce per confondere anche lo spettatore. E annoiarlo. (ore 10:35)

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La Fille de nulle part (The Girl from Nowhere) - La critica di Chiara Fanetti

A volte sogni e realtà si confondono e diventano quasi indistinguibili. La nosta mente può ricreare alla perfezione sensazioni, luoghi, persone e situazioni vere, reali, riuscendo per un attimo ad ingannarci, a farci credere che siamo ancora svegli. Poi alcuni elementi ci fanno capire che abbiamo solo sognato. È anche quello che fa il cinema: ricostruisce il vero rendendo la finzione una porzione di mondo. Il film di Jean-Claude Brisseau ha preso questa caratteristica e l'ha applicata alla lettera. L'ex professore del film, solitario e immerso tra i libri, è interpretato dal regista, che ha scritto il personaggio proprio su se stesso, e anche il suo rapporto con Dora, la misteriosa ragazza che trova sul pianerottolo di casa ferita e senza dimora interpretata da Virginie Legeay, si è ispirato alla profonda amicizia che lega Brisseau proprio a Virginie, un tempo sua studentessa alla rinomata scuola parigina La Femis. A questa base così legata alla realtà dei fatti Brisseau ha poi aggiunto un'atmosfera fantastica e misteriosa rendendo alcune scene dei dipinti simbolisti o preraffaelliti.
Quasi interamente girato nell'appartamento del regista, con solo un tecnico ed un direttore della fotografia sul set, La Fille de nulle part ha il fascino tipico di quelle pellicole che sono fatte per "voglia": senza obiettivi commerciali o senza apprensione nei confronti del pubblico o della critica. E questa voglia di mettersi a nudo di fronte alla videocamera, mostrando la propria casa, i propri pensieri, il proprio vissuto e le proprie debolezze, impone un certo rispetto nei confronti di questo film "semplice" che ha voluto inserire attimi di mistero e di paranormale in un contesto domestico e quotidiano, tra i discorsi filosofici, religiosi e politici che i due attori imbasticono con semplice realismo, proprio come probabilmente fanno fuori dal set. (ore 10:35)

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No

Gael Garcìa Bernal: «fare un film è come andare a letto con qualcuno, bere può essere utile»

Gael Garcìa Bernal si è confermato mercoledì, allo Spazio cinema a Locarno, uno degli ospiti più attesi dal grande pubblico. Il giovane attore messicano, al Festival per ritirare l'Excellence Award Moet & Chandon, è anche il protagonista principale del film NO di Pablo Larraìn (Piazza Grande, 8 agosto, ore 21:30). NO narra la storia di René Saavedra, l'uomo incaricato di convincere il popolo cileno, nel 1988, a votare contro la rielezione dell'allora presidente, il dittatore militare Augusto Pinochet. Un compito che Saavedra deve portare a termine con mezzi limitati. Garcìa Bernal ha deciso di recitare in NO perché gli «piacevano i lavori di Larraìn», ma non solo: «Ci siamo ubriacati insieme e ho accettato la parte. Fare un film è come andare a letto con qualcuno: bere può essere utile». NO è una riflessione sulla democrazia, con tutte le contraddizioni che essa si porta appresso. Così Garcìa Bernal, a proposito del personaggio che interpreta: «Nel film si vede il suo viaggio: un uomo che vive la politica in modo apatico, ma poco a poco cambia. Si interessa e si deprime, perché sente il peso delle decisioni che deve prendere e dei cambiamenti che comportano». Non è la prima volta che Garcìa Bernal interpreta una parte impegnativa dal punto di vista sociale: «Ho colleghi che non amano esporsi politicamente, ma per me non è così. Certo non puoi fare nella realtà tutto ciò che la gente proietta nel ruolo che stai recitando, ma c'è una responsabilità implicita a cui non puoi sfuggire». Poi si spiega: «Le questioni che un film solleva, le domande che la gente si fa, me le pongo io stesso quando leggo un copione. Se accetti un ruolo, diventi parte di un film che veicola un messaggio. E di questo sei, appunto, implicitamente responsabile». «Mi interessano i progetti che sollevano domande pericolose» dice Garcìa Bernal, ricordando le sue origini. In America latina certi argomenti si affrontano sul grande schermo solo da 30 anni perché prima questa libertà non c'era». Il suo percorso lo ha proposto prima come stella del cinema d'autore e poi come star internazionale: «Quando sono entrato e avete applaudito, ho pensato che non mi sarei mai sognato di arrivare a questi livelli. La mia fortuna è stata il saper recitare con tutti gli accenti della lingua spagnola, così ho girato l'America latina, poi sono giunto in Europa e da cosa è nata cosa» Gael Garcìa Bernal è nato nel 1978 da una coppia di attori. Ha lavorato per registi del calibro di Pedro Almodovar e Alfonso Cuaron e deve la sua notorietà soprattutto a film come Amores Perros (2000) di Alejandro Inarritu e Y tu mamà tambien (2001) di Alfonso Cuaron. Il suo volto si è proposto all'attenzione del pubblico internazionale a partire dal 2004, grazie all'interpretazione di un giovane Ernesto «Che» Guevara ne I didari della motocicletta di Walter Salles e al ruolo in La mala educazion di Almodovar. Ha anche recitato con Brad Pitt e Cate Blanchett in Babel.
Angelo Dandrea (TXT) (ore 08:49)

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Twistival, echi dalla piazza... online

Se Dree Hemingway fosse stata a Londra, anziché a Locarno, avrebbe di certo vinto la medaglia d'oro per la bellezza: lo confermano i numerosi tweet di chi sta seguendo il Festival sui social network. L'aggettivo più ricorrente è "inimitabile". E le altre donzelle? "Argento per Lara Gut", scrive Marco. Starlet, con la Hemingway, è uno dei film più apprezzati online: "Un capolavoro" per Cris, "il più bello in assoluto" per Fabi. Luigi invece ha gradito Somebody up there likes me, una "Commedia notevolissima", mentre Philippa ha scelto La fille de nulle part: "Brisseau non ha perso lo charme". Non sembra riscuotere tanti consensi la pellicola con Kirsten Dunst, ossia Bachelorette. Sara se lo spiega così: "Le donne interrotte sono credibili, il film un po' meno". Ma come se la passano i film di casa nostra? Bene, si direbbe. Piace l'opera svizzera Image Problem; scrive Camila: "Da rivedere, abitanti elvetici, risate assicurate". Piace anche Tutti Giù, di Niccolò Castelli: "Non avrei mai pensato di commuovermi per un film ticinese" twitta Nicolas. Al di là dei film, la manifestazione è apprezzata, su questo non ci sono dubbi. Nemmeno per Boris: "E' il Festival migliore". A Locarno c'è poi chi parla di "pioggia di star" e c'è chi avrebbe gradito vederle. Così Gennymel: "Non aver incontrato Cremonini mi fa venire una tigna". Elly invece ha stretto la mano di Morandi: "Cose che ti segnano". Certo i VIP attirano il pubblico: "Lotta animalesca in piazza per trovare un posto", assicura Luca. Agnés dal canto suo ricorda che posto o non posto l'importante è che non piova: "Secondo il meteo il sole dovrebbe splendere fino alla fine". Se ne infischia Fernando, pensando solo al "risotto". E c'è Pierluigi che di cognome fa Pardo e scrive: "Viva il Pardo", ma precisa "d'oro".
Angelo Dandrea (teletext)

Tutti i commenti ai film nella pagina MyPardo (ore 08:33)

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Somebody Up There Likes Me - La critica di Marco Zucchi

La curiosa scelta di prendere un personaggio principale e lasciarlo immutato nel tempo, mentre tutto intorno a lui cambia, amici e parenti invecchiano, le situazioni degenerano, è l’espediente con cui il regista del Nebraska trapiantato in Texas Bil Byington affronta il classico indie movie americano. Quotidinanità del tutto ininteressante, grigia e ripetitiva. Una coppia con un figlio che non parla, un amico strambo, una babysitter carina e fin troppo disponibile. A scandire lo scorrere degli anni, alcuni intermezzi animati che rendono surreale e fumettistica l’atmosfera. Il piglio narrativo del regista è freddo e distaccato, anaffettivo, fenomenologico. La sceneggiatura, la regia, la recitazione, tutto congiura verso un voluto appiattimento di ogni avvenimento, di ogni conflittualità, di ogni problema. Ricorda a tratti le modalità di un Noah Baumbach – “Il calamaro e la balena”, “Lo stravagante mondo di Greenberg” – però non pare averne il respiro, la profondità, la sostanza cospicua dietro la facciata nichilistica. Tutto sommato lo si guarda con curiosità, non tanto per conoscere il destino dei protagonisti ma per farsi accompagnare in una sorta di destino già tracciato. SOMEBODY UP THERE LIKES ME significa lassù qualcuno mi ama, ma in sala, tra gli spettatori, il titolo rischia di non trovare riscontro. Al massimo stima. (ore 18:04)

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Starlet - La critica di Marco Zucchi

Starlet è un cagnolino maschio con un nome da femmina e un collare di strass. È la coperta di Linus vivente di una ragazzona bionda, fisico mozzafiato e carattere ombroso, che subaffitta una stanza nella San Fernando Valley da un’amica e dal suo fidanzato-pappone. Si capisce che le due ragazze si guadagnano da vivere in qualche maniera particolare, si intuisce che c’entrano delle riprese video, sarà esplicito più o meno a metà film che le “opere” in questione sono i cortometraggi pornografici del genere “tematico” che impazza sui siti internet specializzati. Jane però è anche una giovane semplicemente disorientata, in cerca di sé e di una dimensione affettiva soddisfacente, che riscatti la banalità delle sue giornate. Le viene in soccorso il caso e quello che è stato uno degli spunti della vicenda, capitato veramente ad amici del regista: ritrova 10'000 dollari in un thermos che ha comprato al mercatino da una vecchietta. Non li restituisce, ma inizia a frequentare la donna, una vedova, forse con l’intenzione di dirglielo, forse capendo gradualmente che può trarne un’umanità che nella sua quotidianità manca. L’altro spunto del film è uno show televisivo in cui il regista ha dovuto seguire la quotidianità di alcune pornoattrici al di fuori del momento lavorativo. Ne esce un affresco mesto ma speranzoso, in cui brilla la fisicità diafana e nello stesso tempo iperatletica della bella Dree Hemingway, figlia e pronipote d’arte, la mamma è la Muriel Hemingway di “Manhattan”, il bis-nonno non ha bisogno di presentazioni: era Ernest Hemingway. Non racconta il migliore dei mondi possibili, ma prova a dire con grazia che non sempre il destino è scritto e immutabile. (ore 18:00)

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La lezione del cinema americano

Qualunque sia il soggetto, qualunque sia il tono, se c'è una cosa che il cinema americano è sa fare è raccontare storie. Ne sono un esempio perfetto anche i due film indipendenti presentati a distanza di un giorno l'uno dall'altro nel concorso internazionale. Il primo - Starlet - ci racconta la storia lievissima dell'incontro tra un'anziana burbera e isolata che passa i pomeriggi al Bingo, e una giovane ragazza che - tra amici sballati e il lavoro di pornoattrice - combatte la solitudine cercando l'amicizia dell'anziana. Il secondo - Somebody up there likes me - è una riflessione surreale e spesso stralunata sul senso della vita: incontrarsi, sposarsi, fare figli, tradirsi, divorziare, risposarsi e ritradirsi... si alternano con il passare degli anni come gli abiti in un armadio con quello delle stagioni, lasciando inalterati i protagonisti, scivolando loro addosso mentre raccontano nello studio dello psicologo il disastro delle loro vite. Sospeso tra nonsense e sarcasmo in comune con Starlet ha il pregio di dialoghi che non cedono neppure sulle pause, e di una scrittura narrativa talmente solida che reggerebbe persino la storia più assurda (e non è il caso dei due film citati).
Ecco è proprio la scrittura il punto di forza del cinema americano che sia indipendente o appartenga agli studios. Gli si potranno imputare mille difetti, si potranno detestare alcuni dei suoi prodotti, ma grazie all'innegabile qualità narrativa della sua scrittura anche le storie più assurde (Ape in concorso mercoledì 8 per i cineasti del presente ne è la dimostrazione) che ci propina acquistano il loro spessore.
E forse non è un caso che il tema di in una delle molte tavole rotonde (giovedì 9 agosto alle 10.30 alla Magistrale) sulla formazione in ambito cinematografico a livello europeo sia la scrittura cinematografica...
Monica Bonetti (ore 17:43)

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Museum Hours - La recensione di Cristina Foglia

Fra le imponenti mura del Museo di storia dell’arte di Vienna, un guardiano sulla sessantina dal portamento distinto osserva i visitatori. Il suo guardare le persone che guardano i quadri e le sculture, lo porta a fare considerazioni che nel film sono la voce narrante.

Quel che sembra sulle prime un documentario su un uomo che lavora in un museo si trasforma in trama narrativa con l’aggiunta di un personaggio, una donna canadese venuta a Vienna per stare accanto a una cugina caduta in coma. Le donne non si sono frequentate per anni, ma da piccole erano state vicine, e lei è l’unica parente reperibile. Un po’ persa, senza soldi e con la sola compagnia di una malata incosciente, la donna si lega d’amicizia con il guardiano, che si rivela un efficace aiuto oltre che una compagnia interessante. Terzo elemento aggiuntivo: la storia dell’arte: in particolare una lezione sul pittore Breughel di cui il Museo viennese custodisce i più bei dipinti. Jem Cohen, nato in Afghanistan con studi in USA, costruisce un film strano e affascinante su una città di cui riesce a cogliere segreti e miserie con sguardo acuto. (ore 17:10)

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Sarah Morris, l'artista del Festival alla scoperta delle città

Sigaretta in bocca, occhiali scuri: è Sarah Morris l'artista scelta quest'anno dal Festival per la proiezione fuori concorso di film girati da creativi contemporanei. Americana, nata in Gran Bretagna, mercoledì ha incontrato il pubblico allo Spazio cinema, davanti a pochi curiosi, non certo la folla che martedì aveva accolto Harry Belafonte. Una platea di nicchia, insomma. Il dibattito è stato moderato da Hans Ulrich Obrist, critico e storico dell'arte, nonché membro della giuria nel Concorso internazionale: "Conosco Sarah da oltre 15 anni, i suoi lavori sono stupefacenti".

Sara Morris con il pennello dipinge e con la cinepresa esplora le città, ma ci tiene a precisare che i suoi film non sono dei documentari: "Qualcuno lo pensa, ma si tratta di un grosso malinteso". Nel 2008 ha catturato alcuni momenti a Beijing, in Cina, durante le Olimpiadi: "Non mi interessavano i giochi, per niente, ma volevo analizzare la città e le sue contraddizioni sotto l'influenza del marchio olimpico". Tra le sue altre opere "cittadine" si possono citare CHICAGO (2011), 1972 (2008), LOS ANGELES (2004), MIAMI (2002) e CAPITAL (2000). RIO è la sua ultima produzione, proiettata in prima mondiale proprio in questi giorni a Locarno. Un ritratto, senza dialoghi, della città che nel 2016 sarà olimpica; stesso lavoro fatto a Beijing nel 2008 e a Monaco nel 1972. RIO è stato montato in 20 anni: "E' facile dire quando un film inizia" ha spiegato "ma non si può mai dire quando finirà".

Un'idea bizzarra, per certi versi, ma chiara dopo una precisazione: "I film sono per me una scusa per fare altre cose, come viaggiare o interagire in nuove sfere". Poi ci sono le eccezioni: MIDTOWN è stato girato a Manhattan in un solo giorno. Sarah Morris trae ispirazione dalle pellicole dei primi anni '70, come ad esempio "THE CONVERSATION", un capolavoro del 1974 diretto da Francis Ford Coppola: "E' uno dei film che ho visto più volte. "Mi interessano i film sul complotto, sulla cospirazione, opere nelle quali il narcisismo della documentazione porta alla fine del potere". Ma il potere che lei ama esplorare è un altro: è la casualità delle città, la forza delle coincidenze: "In MIDTOWN c'è una persona che compare due volte, senza che io lo avessi voluto. E la stessa cosa è accaduta anche in RIO".
Angelo Dandrea (Teletext) (ore 13:46)

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Camille redouble

Il passato è passato, non torna più. E se invece non fosse così? Chissà quante volte abbiamo immaginato di poter tornare indietro nel tempo per rivivere una situazione, un’emozione, per rivedere un volto o ritrovare qualcosa che con il passare degli anni è andato sbiadendosi. Oppure, ancora, per cambiare il corso della nostra vita. Così capita a Camille in una notte di capodanno: 25 anni cancellati da un colpo di spugna ed eccola improvvisamente a dover fare i conti con il proprio passato da sedicenne, con i suoi genitori, con le amiche, con la scuola e con il ragazzo da cui in futuro avrà una figlia e che la lascerà proprio 25 anni dopo. Un film mai scontato, spassoso, anzi geniale in alcune battute, e a tratti anche commovente. Sì, Camille redouble mi è piaciuto davvero, perché ha dentro tutto questo: sa farti ridere di gusto ma ti porta anche a riflettere, perché aldilà della curiosità iniziale, rivivere il proprio passato conoscendo già gli eventi futuri è una condizione che può incutere anche molta paura.
Paolo Cortinovis (ore 12:42)

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Open Doors, la premiazione

Allo Spazio cinema di Locarno, sono stati premiati i migliori fim della sezione Open Doors: FRAGMENTS DE VIES di Laza (Madagascar, 10'000 fr per la post-produzione), LADJI NYE' di Daouda Coulibaly (Mali, 15'000 fr per lo sviluppo), FASO FANI, LA FIN DU REVE di Michel K. Zongo (Burkina Faso, 10'000 fr per lo sviluppo) e LA PROCHAINE FOIS, LE FEU di Mati Diop (Senegal, 15'000 fr per lo sviluppo).

FASO FANI si è aggiudicato anche il premio ARTE di 6'000 euro, mentre LA PROCHAINE FOIS, LE FEU ha vinto i 7'000 euro stanziati dal CNC (Centre national du cinéma et de l'image animée).

La sezione Open Doors, dedicata quest'anno all'Africa francofona subsahariana, è intesa come un laboratorio di coproduzione in seno al Festival del film di Locarno e ormai da diversi anni si impegna a mettere in luce i registi e i produttori dei paesi del sud-est del mondo.

Supportata dal Dipartimento federale degli affari esteri, prima della premiazione ha incassato anche la rinnovata stima della città di Bellinzona, attraverso le parole di Roberto Malacrida: "Ho visto film magnifici, il sindaco Mario Branda vuole sostenere Open Doors anche in futuro".

Momenti di gioioso imbarazzo si sono verificati alla premiazione di LAZA: "Grazie" ha esordito, restando poi senza parole; parole che anche nel suo film soccombono dinanzi alla forza delle immagini. Ma poco dopo LAZA si è scatenato: "Erano anni che non si parlava del Madagascar, vorrei invitare tutti sul palco, venite! Qui sono un po' inquadrati, ma venite!". Risate.

Meno irruente e più in linea con l'atteggiamento degli altri registi è stata Mati Diop: "Sono toccata e felice di aver incontrato cineasti che non conoscevo. Open Doors mi ha permesso di far parte di una realtà stimolante".

Vincitori di Open Doors sono tutti i progetti selezionati (12 su 213 candidature), poiché la partecipazione consente ai professionisti di entrare in contatto con partner e sponsor.

Il CNC ha ringraziato i cineasti che hanno preso parte al concorso per il "fuoco sacro" che li ha spinti ha impegnarsi nei rispettivi progetti: "Qualcosa si muove, c'è una grande voglia di mostrare delle opere". ARTE ha sostenuto volentieri Open Doors anche perché l'emittente trasmette nel continente nero ed è possibile che in futuro "i film vincitori - ma non solo - siano visibili al pubblico africano".
Angelo Dandrea, Teletext (ore 18:21)

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Porte spalancate per l'Africa

L’Africa è diventata la terra di conquista delle aziende leader mondiali dei beni di largo consumo e tanti giovani africani che dispongono delle possibilità economiche intraprendono gli studi in Europa o negli Stati Uniti e – questo è il punto fondamentale – dopo la laurea vogliono tornare nel paese d’origine per partecipare alla crescita economica del proprio paese. Questa tendenza non influisce solo sull’economia ma anche sulle creazioni e produzioni artistiche, nel caso specifico sul cinema. Quest’anno, la sezione Open Doors ha deciso di porre l’accento su film e registi provenienti dal paese in cui la settima arte è in procinto di svilupparsi e si impegna ad offrire ai cineasti africani l’opportunità di trovare partner per la coproduzione dei loro progetti. Gli Open Doors Screenings hanno mostrato una selezione di film che conducono alla scoperta dell’Africa francofona subsahariana. Tra i film proposti il più vecchio è datato 1966 (La Noire de… ), mentre quello più nuovo 2012 (Aujourd’hui) e, dal punto di vista tecnico, scenografico e drammaturgico è immediatamente percepibile la tendenza all’avvicinamento allo stile europeo/americano. Un esempio? Nel film Aujourd’hui sentiamo canzoni come 54-46 That's My Number dei Toots & the Maytals che sicuramente fa parte delle playlist di tanti giovani ticinesi.
Ma il cinema è pronto a superare lo sguardo limitato ed eurocentrista dei «poveri africani» e ad aprire le sue porte ad un cinema africano moderno? Gli influssi transnazionali e la digitalizzazione permetteranno in futuro di vedere anche nelle nostre sale delle produzioni africane? Sicuramente Beyonce, Jay-Z e tanti altri musicisti, soprattutto rappresentanti della cultura hip hop, rap e reggae, già si recano spesso nei paesi dell’Africa dell’ovest alla ricerca d’ispirazione. Sarà possibile in un vicino futuro incrociare anche Martin Scorsese o Soderbergh nelle strade di Accra o di Abuja?
Milena Stokar (ore 18:05)

Guarda il video

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Wo hai you hua yao shuo - La critica di Paolo Cortinovis

Una storia vera, quella raccontata in When Night Falls, ambientata tra l'estate e l'autunno del 2008; sullo sfondo le Olimpiadi di Pechino 2008. Un giovane ventottenne cinese viene arrestato e condannato dal governo perché avrebbe ucciso - vendicandosi - sei agenti di polizia, dopo aver subito torture dagli stessi per aver guidato una bicicletta senza targa. Un processo che subisce diverse manipolazioni e una sentenza eseguita con estrema velocità dal governo impediscono alla madre di testimoniare a favore del figlio nel tentativo di salvarlo dalla condanna a morte. Ed è proprio sulla figura della madre che si concentra il regista Liang Ying, sul suo dramma personale e sulla lunga attesa nell’ultimo periodo, quello in cui aspetta la sentenza finale. Film dal ritmo decisamente lento, a volte al limite della monotonia. Se da una parte le lunghe inquadrature fisse restituiscono bene l’idea di impotenza, isolamento e attesa, dall’altra finiscono per togliere forza ad una storia che merita di essere raccontata al grande pubblico. (ore 18:00)

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«Otto Preminger fu il primo a mostrare i neri come persone normali»

Harry Belafonte, premiato lunedì sera in Piazza Grande con un Pardo alla carriera, martedì ha parlato davanti a un folto pubblico di curiosi, allo Spazio cinema: "Mi sento un privilegiato a vedervi così numerosi, pensavo che non sarebbe venuto nessuno dato che ho vissuto a lungo e ormai sono diventato una reliquia". Artista socialmente impegnato, Belafonte ha condotto numerose battaglie, ad esempio in favore della libertà dei neri d'America; "anche per la libertà dei bianchi" ha precisato ridendo. Poi si è fatto serio: "Non sono un artista divenuto attivista, ma il contrario". Il Festival dedica una retrospettiva al regista Otto Preminger, con la proiezione di diversi suoi film; in uno di questi, CARMEN JONES, vi è proprio un giovane Belafonte, che dice: "Lui veniva dall'Austria e conosceva il nazismo. In America è stato il primo cineasta a trattatare i neri come umani e non come servi. Ha mostrato sullo schermo la prima donna nera bella e intelligente". Nei primi anni '50 nessuno lo avrebbe fatto, temendo di non riscuotere successo: "Preminger usò le sue risorse, attirò dei giovani e fece in modo che si imbarcassero in quella nuova avventura". L'artista ha uno scopo. Parola di Belafonte, che poi spiega: "deve illuminare argomenti che possono avere un'importanza sociale. Deve pensare a cosa vuole dire, a come lo vuole dire e soprattutto a perché lo vuole dire. Io ho avuto la fortuna di diventare istruttivo grazie alla fama". Belafonte si è poi soffermato su alcune su amicizie, una su tutte quella con Marlon Brando, con cui è cresciuto: "Mi ha ispirato, è stato per l'arte drammatica ciò che Picasso è stato per la pittura, si è parlato molto delle sue avventure, ma mai abbastanza della sua anima e del suo cuore".
Angelo Dandrea (TXT) (ore 16:29)

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Il guardiano della verità

La piazza gli ha tributato una standing ovation di quasi due minuti.
Cortese e affabile, lucido e preciso, l'85enne Harry Belafonte non si è risparmiato a Locarno. Una serata in piazza, decine di interviste, la presentazione di Carmen Jones per la retrospettiva Preminger e infine anche il Forum... Certo se lo è guadagnato il suo pardo alla carriera, ma ciò che ha conquistato pubblico e giornalisti è il tono con con cui Belafonte ha suonato la sua musica. La sua modestia, la disponibilitá e nello stesso tempo la determinazione con cui ha testimoniato la responsabilità del suo impegno civile. Non sono un'artista diventato attivista, ma un attivista che per caso è diventato un artista, ha esordito all'affollatissimo forum. Dipende forse da questo la responsabilità morale, di cui ha parlato più volte, che spetta all'attore, al cantante o all'artista che si trova in una posizione di potere, e che nel ruolo di guardiano della verità che riveste agli occhi del pubblico non può esimersi dal dovere di aiutarci a trovare quello che di più giusto, più vero, più bello e più umano c'è in noi. Le colleghe che hanno avuto la fortuna di intervistarlo a quattr'occhi sono tornate sedotte...
Nel film in programma in piazza questa sera un personaggio tornato dal 2008 agli anni '80 stupisce i suoi interlocutori annunciando che nel suo tempo alla casa bianca siede un presidente nero. Belafonte ha ricordato e testimoniato ai festivalieri più giovani quanto quello che a loro sembra normale sia frutto delle lotte e delle frustrazioni e del dolore di tante persone che si sono battute per i diritti civili.
Monica Bonetti (ore 15:53)

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Meglio un film doppiato o in lingua originale?

Fino a qualche anno fa chi andava al cinema aveva il privilegio di guardare il film in lingua originale. Oggi, oltre la metà delle produzioni sono doppiate. Se n'è parlato a Locarno. Ma se nelle scuole i bambini imparano il francese e l'inglese sempre prima, perché i film sono tradotti? Per il direttore della Warner Bros, Leo Baumgartner, perché "il pubblico lo vuole". Il 90% degli utenti sceglie infatti i blockbuster doppiati, ma nonostante ciò si continuano a spendere da 30'000 a 50'000 franchi a film per dei sottotitoli, per la gioia di chi preferisce l'originale. I sottotitoli non sono stati messi da parte per pigrizia o stupidità, ma perché i migranti non erano in grado di leggere abbastanza velocemente. Lo ha spiegato Edna Epelbaum, di Cinévital. Secondo Seraina Rohrer invece, delle Giornate del film di Soletta, l'avvento del doppiaggio è stato molto positivo per i Festival, che ha visto aumentare il pubblico grazie a coloro che sono alla ricerca di film in lingua originale. Per il giornalista di settore Benjamin Boegli l'ideale è un film originale, senza nemmeno i sottotioli; una soluzione che fino ad oggi è stata tollerata solo dagli utenti delle sale ginevrine.
Angelo Dandrea (TXT) (ore 15:47)

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lekino.ch, nuovo portale video on demand in favore del cinema d'autore

Un nuovo portale video "on demand" sarà online da ottobre: www.lekino.ch. Una piattaforma in tedesco e francese diversa dalle altre, con uno scopo più culturale che economico: valorizzare il cinema svizzero d'autore, spesso disarmato al cospetto delle grandi produzioni americane.

I promotori del sito, lanciato da Universciné Switzerland, hanno firmato degli accordi con la Società svizzera degli autori, Suissimage e la SUISA, per regolare la remunerazione dei realizzatori dell'opera; al produttore andrà poco più della metà degli incassi. Per i cinefili sarà come un Festival permanente, con film appena mostrati al pubblico o trasmessi in televisione una volta sola (offerti a sei franchi).

Il cinema elvetico non sarà trascurato, grazie ai partenariati con Cinémathèque suisse, con le Giornate del cinema di Soletta e con la televisione pubblica (SSR). Juerg Ruchti, direttore della Società svizzera degli autori, è "soddisfatto degli accordi economici" e ha precisato che "la rete europea di piattaforme audio e video a cui lekino appartiene sarà un'ottima opportunità per accrescere la visibilità del cinema d' autore svizzero".
Angelo Dandrea (TXT) (ore 14:33)

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Der Glanz des Tages (The Shine of Day) - La critica di Moira Bubola

Possiede l’intensità delle giornate più luminose: Der Glanz des Tages di Tizza Covi e Reiner Frimmel è una storia poetica che racconta l’incrociarsi di tre destini: c’è l’attore teatrale di successo completamente preso dai suoi impegni, Walter vecchio artista circense con alle spalle un’infanzia tragica e Viktor immigrato illegale dalla Moldavia che deve badare ai suoi due bambini perché la moglie non riesce più a rientrare in Austria.
Queste tre storie sono storie di vita vera, i tre personaggio interpretano loro stessi e questo perché Tizza Covi e Reiner Frimmel arrivano dalla fotografia e dal documentario e quando costruiscono un film non possono fare a meno di guardare alla realtà. Ed è questa una grande risorsa perché come ne La pivellina, film della coppia passato a Cannes qualche anno fa e poi molto apprezzato dal pubblico, c’è leggerezza e autenticità. Una storia semplice che mette a confronto la vanità dell’attore Philipp Hochmair, veramente uno dei volti del teatro austriaco, alla ruvida umanità di Walter che interpreta il ruolo di un vecchio zio che compare all’improvviso e poi c’è Viktor, clandestino, sempre al lavoro e con la moglie fermata in Moldavia che ha bisogno di aiuto e sarà Walter a darglielo perché Philipp, è troppo preso da sé stesso.
Tizza Covi e Reiner Frimmel non temono la semplicità e la lentezza che non diventano mai un difetto in questo film che molti già danno come Pardo d’oro. (ore 18:23)

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A Última Vez Que Vi Macau - La critica di Marco Zucchi

A Última Vez Que Vi Macau è un film portoghese ma ambientato a Macao, ex territorio lusitano che dal 1999 è diventato una regione amministrativa cinese. Uno dei due autori – Joao Rui Guerra da Mata – ci ha trascorso l’infanzia ma non ci tornava da 30 anni. Ne nasce un film che inizia con i toni di un noir ma di cui alla fine non è semplice comprendere e raccontare la trama.
Lo sfasamento principale è nell’utilizzo di una voce off alla Marlowe, o se preferite alla Blade Runner, con un tono e un aggancio alle immagini per lunghi tratti documentaristico. Una scelta che non è priva di interesse, anche perché il punto di partenza è un'e-mail ricevuto dal regista, in cui una sua amica chiedeva aiuto dopo che un amico era stato ucciso in maniera misteriosa. È la ragione per partire verso Macao dopo tanti anni, che si tramuta in una sorta di viaggio tra presente e passato.
Giudizio sospeso ma segnalazione su quella che sta diventando una tendenza (visto che si vede sempre più spesso applicata): la commistione sempre più equivoca, ma proprio per questo interessante, tra cinema del reale e cinema di finzione. (ore 18:18)

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Industry Days, tavola rotonda sulla formazione dei registi di domani

Cosa si aspettano gli studenti di cinema? Quali sono i diversi approcci nella loro istruzione? Se ne è parlato lunedì 6 agosto allo Spazio cinema (Forum) nell’ambito degli Industry days (organizzati dall’Industry office, che si occupa di facilitare l’incontro tra gli attori del settore durante il Festival).
All’incontro „Teaching cinema: central and eastern Europe meet Switzerland“, moderato da Sergio Fant, erano presenti esponenti di diverse scuole di cinema europee.

Per la Svizzera c’erano Lucie Bader, dell’Alta scuola zurighese per l’arte (ZHdK), Lionel Baier, dell’Alta scuola delle arti applicate di Losanna (ECAL), e Jean Perret dell’Alta scuola di arte e design ginevrina (HEAD). La Svizzera italiana era rappresentato da Domenico Lucchini del Conservatorio Internazionale di Scienze Audiovisive (CISA).

Proprio Lucchini, in un susseguirsi di spunti quasi filosofici, ha voluto precisare l’importanza degli aspetti più concreti nella formazione dei professionisti della settima arte: „Noi ci concentriamo sulla tecnica e cerchiamo di rimanere ancorati al territorio. L’80% dei nostri studenti trova così un lavoro nel settore audiovisivo. Certo non sottovalutiamo la teoria, la storia del cinema”.

Un approccio senz’altro concreto, molto distante da quello raccontato dal bulgaro Bojidar Manov, della National Academy for Theatre and Film Arts (NATFA): „I nostri studenti sognano l’Oscar, vogliono diventare i registi migliori. Il nostro compito è sviluppare le loro attitudini, fare in modo che possano esprimersi“.

Di espressione si è parlato molto e in generale prevale un approccio che punta molto sulla libertà individuale: “Scuotiamo i ragazzi – spiega Perret – gli facciamo capire che hanno il dovere di scegliere ciò di cui hanno bisogno per esprimersi. Ad esempio, oggi si è diffuso il formato 16:9, ma non è detto che tutti debbano adottarlo. Se qualcuno vuole usare un altro formato, noi lo sproniamo a crederci, perché non c’è un solo modo per descrivere il mondo”.

L’espressione però non è tutto e prima o poi deve fare i conti con la concretezza di un mercato complesso, fatto di intrecci e collaborazioni: “Se vuoi fare un film che costa più di due milioni di euro, devi essere in grado di trovare delle coproduzioni all’estero – spiega Baier – e per favorire questo processo siamo felici di accogliere studenti da tutto il mondo”. L’integrazione degli studenti stranieri è più facile in Svizzera che in altre nazioni, perché non ci sono evidenti barriere linguistiche. Così Manov: “Fino all’anno scorso chi veniva a studiare da noi doveva imparare il bulgaro, mentre ora formiamo professionisti in grado di insegnare in inglese”.

A riportare lo studio del cinema su un piano meno concreto e più fantastico ci ha pensato Marcin Malatynski, della Polish national film, television and theatre school (Lodz film school): „Quando Roman Polanski era un nostro studente non sempre lavorava bene. Un giorno, dopo aver avuto un incontro con un professore, è stato visto uscire dall’edificio principale, voltarsi verso il docente e insultarlo”. Niente di strano, sembrerebbe, dato che a fine giornata „per aver fatto un buon lavoro, un allievo deve essere in armonia con sé stesso, non con i professori“.
Angelo Dandrea (ore 15:44)

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Cos'è un documentario?

Si fa presto a dire documentario. Una situazione interessante, una videocamera, e via. La realtà, si dice, parla da sola. Purtroppo non è sempre così. Capita che un viaggiatore, come dice l'adagio, vada in un sacco e torni in un baule. La videocamera al seguito, da sola, non cambia le cose. Non può che registrare una serie di scene e di situazioni che restano misteriose e impenetrabili per lo spettatore come forse lo sono state per il viaggiatore. È questa la sensazione che si ha assistendo ad un documentario dal tema ancora pienamente attuale, LIBYA HURRA dell'austriaco Fritz Ofner, punto debole della programmazione della Semaine, che pur continua a riscuotere grande successo di pubblico.
Il progetto è nato un anno fa proprio a Locarno durante il Festival. A fine agosto la troupe è già nella Libia in guerra. Tre città sono ancora nelle mani dei lealisti, ma il fronte è lontano. La videocamera sembra quella di un turista in un viaggio organizzato. Gruppo di ribelli che si prepara a partire, fanno V con le dita. Manifestanti in piazza, i leader religiosi li arringano con i megafoni. Soggettiva nel poco che rimane del carcere dove il regime imprigionava i prigionieri politici. Visita ad un cimitero per le vittime degli scontri, grande scrupolo nella registrazione dei cadaveri. Soggettiva nel palazzo di Gheddafi, a sinistra vedete la bancarella con i souvenir.
Certo, si tocca con mano che la Storia vista da vicino è fatta di cose misere, quasi banali. Si intuisce che non sempre i suoi protagonisti riescono a rendersi conto di cosa succede davvero, ma ciò può bastare per un documentario?
Mario Conforti (ore 15:29)

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Steven Spielberg o Peter Mettler? Controversie al Teaching Cinema Forum

Una scuola di cinema deve proporre una solida conoscenza storica del cinema o insegnare le tecniche più all’avanguardia per forgiare dei professionisti? È un dilemma di fronte al quale io stessa, ex studente Cisa e attuale alunna dell’Uni di Lucerna, mi sono trovata spesso. Probabilmente la risposta è: dipende «cosa vuoi diventare». Dopo il liceo però, spesso, non tutti hanno le idee chiare.
Al forum di stamattina Lionel Baier ha fatto ricorso a questa contrapposizione «ci sono tre tipi di studenti: chi vuole diventare Steven Spielberg, chi Peter Mettler e chi tutt’e due. La sfida è riuscire a far evolvere lo studente in modo che capisca cosa vuole diventare, lavorando quindi sulle scelte che compie durante la sua formazione». Dopo questo intervento gli ospiti hanno iniziato a spiegare punti di forza delle scuole che rappresentano: chi si concentra sulla scrittura narrativa, chi sulla parte creativa e artistica, ma in definitiva emerge che i loro programmi offrono entrambi. Chiaro per tutti è che il compito di una scuola è creare dialettica e stimolare lo spirito creativo scuotendo gli studenti per farli crescere. Ed è anche la tecnica che personalmente ho adottato: la try and error o, come disse Orson Welles, «don’t study film but live».
Un’altra controversia interessante alla quale si è fatto accenno questa mattina, una controversia tutta europea è il multilinguismo. Un problema che riguarda soprattutto le scuole dell’est che dispongono magari di insegnanti rinomati ma offrono corsi in lingue poco conosciute anche se, ovviamente, la tendenza è di passare sempre più all’inglese. Il consiglio un po’ di tutti è sicuramente di svolgere gli studi almeno in due paesi perché se s’intende produrre un film con un budget superiore ai 2 milioni, si è costretti a ricorrere a delle co-produzioni e quindi è indispensabile pensare a questo aspetto già durante il percorso formativo curando contatti internazionali. Il Cisa affronta la questione offrendo degli internship con scuole estere, la ZHdK offre tantissimi corsi in inglese permettendo a studenti di tutto il mondo di parteciparvi. Il progetto Réseau/Netzwerk Cinema consiste in una collaborazione tra otto università professionali svizzere con l’obiettivo di offrire uno strumento di formazione e di ricerca innovativo e interdisciplinare garantendo, a livello di master, un insegnamento sia dal lato teorico che da quello pratico. Un progetto di questo genere potrebbe magari essere un modello da seguire su scala europea?
Milena Stokar (ore 15:00)

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Teatro, circo e verità

Già con La pivellina (premiato a Castellinaria nel 2009 e candidato all'Oscar per il miglior film straniero) avevano dimostrato di sapere cosa fanno... Tizza Covi e Rainer Frimmel proseguono in Der Glanz des Tages sulla stessa strada costruendo un film di finzione come se fosse un documentario. «È tutto vero», ripete più volte durante la conferenza stampa Philipp Hochmair uno dei più noti attori teatrali austriaci (che nel film è appunto se stesso), «a parte il fatto che Walter non è mio zio...». Un modo di lavorare piuttosto unico che - sottolinea Tizza - non nasce a tavolino, ma dipende dalla formazione dei due registi che nascono documentaristi e che, anche realizzando fiction, non vogliono rinunciare a rappresentare la vita reale con i suoi drammi, gli incontri e le speranze.
Operazione pienamente riuscita. Dopo la visione stampa gli sguardi sognanti di chi ha appena vissuto un'esperienza inebriante non si contavano. L'intrecciarsi reale delle vite dell'attore famoso, del vecchio uomo di circo e di una famiglia moldava separata dalla burocrazia (padre e due bambini sono rifugiati a Vienna, la madre tornata a casa per la morte della nonna non può più rientrare in Austria) commuovono e appassionano lungo tutti i 90 minuti della pellicola come e più di una sceneggiatura ben scritta...
Tutto il contrario della noia trasmessa dalle vacue chiacchiere sui divani dei reality show.
Monica Bonetti (ore 13:51)

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Veicoli spaziali

Quando era ancora soltanto un comico Beppe Grillo entrava in scena con un furgone, si metteva un asciugamano in testa e senza spegnere il motore si piazzava dietro al tubo di scarico respirando a pieni polmoni. Aaaaah! Che buona l'aria fresca, altro che i gas di scarico dei motori a scoppio che ci impongono le multinazionali del petrolio!
Il furgone aveva un motore a idrogeno e produceva unicamente vapore acqueo. Quest'anno a Locarno Grillo di inalazioni ne potrebbe fare a bizzeffe, perché i bus che trasportano i festivalieri avanti e indietro tra la piazza e il FEVI sono anch'essi a idrogeno. Per l'esattezza sono veicoli elettrici ma invece di immagazzinare l'energia sotto forma di elettricità (cosa tuttora poco conveniente per il costo e la scarsa durata delle batterie), la generano al momento per mezzo di pile a combustibile (le stesse usate sui veicoli spaziali) alimentate appunto con idrogeno immagazzinato in apposite bombole.
I veicoli normalmente operano nella regione di Brugg, nel Canton Argovia, dove AutoPostale Svizzera ha lanciato un progetto pilota.
Poiché anche l'energia utilizzata per produrre il gas proviene da fonti rinnovabili, ed è comunque minore rispetto a quella prodotta, l'impatto ambientale è veramente zero, in ossequio all'impegno ecologico del festival. Anche i 'grillini' non avrebbero nulla da ridire.
Mario Conforti (ore 09:35)

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The End of Time - La critica di Cristina Foglia

Peter Mettler, classe 1958, cresciuto in Canada da genitori svizzeri passa per un regista che filma l’impossibile. Il suo “The End of time” inanella dall’inizio alla fine una serie di immagini strabilianti che ha raccolto fra le cattedrali della scienza, della natura e della fede. Il tema è il tempo, o meglio la nostra percezione del tempo. La sua indagine ci porta negli spazi asettici dell’acceleratore del CERN di Ginevra, dove si sperimenta la collisione di particelle che dovrebbe farci capire le origini del mondo. Si sprofonda in un caleidoscopio di immagini, fra macchinari immensi e misteriosi. Che aspetto ha la sostanza alla base della nascita del mondo? Peter Mettler ci mostra l’ elaborazione grafica dei risultati dell’esperimento: una lanugine biancastra, un leggero fluttuare che sovrappone all’immagine di una nevicata su un grande albero.
Dalla certezza dei numeri in un universo sotto controllo si passa ad un’isola delle Hawaii in piena eruzione vulcanica. Un solo abitante è rimasto. Cosciente del pericolo, attorniato dalla lava che avanza, è deciso a non abbandonare la sua casa. Sono le immagini più belle del film: il crepitare leggero della massa che progredisce e rende la roccia liquida, soffoca le giovani felci che cercano nonostante tutto di cresce su quel terreno bruciato. Sculture di pietra ma anche sculture di luce. E siamo nella Detroit del dopo crisi-automobilista: fra i lotti abbandonati e i grattacieli un DJ monta spettacoli techno di grande impatto visivo. A casa, sua moglie fa l’orto e il suo bambino gioca nudo ne fango. Cosa è il tempo? Mettler lo chiede a un fedele buddista, filma un funerale indiano, e chiude con una domanda ad una donna anziana. Lei risponde, un po’ timida. E chiede: è la risposta giusta? (ore 09:08)

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Il film sull'alzheimer che non ti aspetti

Con tante possibilità a disposizione inevitabilmente la vita del festivaliero (ma a volte anche quella del giornalista) viene orientata dal tam-tam, dalle voci che danno un film come imperdibile, dal consiglio del collega o dell'amico fidato che ti suggeriscono la sezione collaterale che nasconde un gioiellino...
Alle proiezioni della Semaine de la critique (e come si fa a dire che il lavoro dei critici non serve quando il frutto del loro lavoro è anche la selezione di documentari così?) è ormai tradizione rischiare di non riuscire a trovare un posto tanto folto è il pubblico che accorre. Questa mattina il rischio mi è parso certezza vedendo la coda per assistere a Vergiss mein nicht estendersi ben oltre l'atrio del Kursaal. E dubito che senza i privilegi di dover assistere per lavoro alla proiezione potrei parlare ora del bel film di David Sieveking (in prima mondiale) che ha documentato gli ultimi anni di vita della madre malata di Alzheimer. «Oh cielo no, che tristezza...» Niente affatto. «La vita è bella» ha chiosato nella discussione finale il padre del regista, presente in sala. Ed è proprio questo il messaggio che prevale: tornato a casa per aiutare il padre nella cura della madre il regista rivela poco per volta la vita della sua famiglia, scoprendone insieme allo spettatore i risvolti più intimi e segreti: il rapporto aperto tra Gretel e Malte, la loro storia di coppia impegnata socialmente e politicamente a cavallo del '68 tra Germania e Svizzera, riemerge non grazie ai ricordi della madre del regista, che ricordare non può più, ma attraverso i materiali e le testimonianze più disparate compresa la schedatura sulla madre conservata a Berna.
Il dolore per un distacco da qualcuno che fisicamente è ancora presente è lancinante come lo è il dilemma su come affrontare le difficoltà materiali della malattia: il ricovero in una struttura adeguata? l'aiuto a domicilio di una badante? l'assecondare il senso del dovere per ripagare i torti inflitti in passato?
Da reportage sulla malattia il film slitta nella cronaca familiare, in una riflessione commovente sulla convivenza e sull'amore. Una riflessione spesso autoironica che non ci risparmia dalla morte, ma che, mentre all'interno della famiglia del regista cementa le relazioni che il tempo e l'abitudine hanno sfilacciato, nello spettatore infonde il coraggio di affrontare la vita con la stessa intelligenza e senso dell'umorismo, con la stessa leggerezza di vita, di Gretel.
Per chi volesse recuperarlo seconda proiezione lunedì 6 agosto alle 18.30 all'altra Sala.
Monica Bonetti (ore 19:22)

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Morandi: cinema ancora? perché no!

Olivier Père ha aperto la presentazione di Padroni di casa sottolineando di non aver mai visto tanto pubblico in coda al Fevi. Forse esagera un po', ma certo il serpentone è di quelli da ricordare. D'altronde un film italiano in concorso, programmato di domenica e con un cast che mette insieme Gianni Morandi, Valeria Bruni Tedeschi , Elio Germano e Valerio Mastrandea, sembra fatto apposta per attirare trasversalmente pubblici di generazioni e gusti diversi.
Il bello di vedere il film con il pubblico, rispetto alla visione stampa, è la diversità di percezione e di fruizione del film. Padroni di casa non è privo di difetti e i colleghi giornalisti non hanno mancato di sottolinearli all'uscita della proiezione. Al pubblico del Fevi invece, che dopo la proiezione si è trasferito in massa allo spazio Forum per ascoltare attori e regista (a sua volta attore, quell'Edoardo Gabbrielllini protagonista di Ovosodo e di un paio di altri film di Virzì), quei difetti sono apparsi decisamente meno importanti. Al pubblico è importato di più lasciarsi affascinare dalla bravura di Germano e Mastrandea e innamorarsi di un film che parte con il tono dalla commedia bucolica per finire nella tragedia del conflitto con l'altro, il diverso (anche quando il diverso non ha il passaporto di un altro colore).
La troupe? La troupe ripaga ampiamente il calore, inscenando un siparietto spassosissimo del gioco delle parti, dove dapprima Morandi ruba la scena al moderatore, poi sempre Morandi ricorda al pubblico i successi di Gabbriellini come attore, e infine Mastrandea si improvvisa giornalista e incalza Morandi regalandoci il titolo: quello appunto in testa a questo post.
Monica Bonetti (ore 19:15)

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Padroni di casa

Le invidie, le cattiverie e le gelosie che si possono nascondere negli esseri umani, anche in quelli apparentemente più calmi, sono al centro del film italiano PADRONI DI CASA (Concorso internazionale). La pellicola segna il ritorno al cinema dopo 42 anni di Gianni Morandi. Interpreta la parte di un cantante ormai fuori dalle scene che fa risistemare casa sua, in un paesino, a due imprenditori (Valerio Mastandrea e Elio Germano) della capitale. Belli e avvenenti, i due esercitano un certo fascino sulle donne del luogo scatenando la reazione violenta degli altri uomini del paese.

Le musiche sono di Cremonini
La vicenda narrata, che mette a nudo violenza, fragilità e contrasti tra vita pubblica e privata, "potrebbe capitare ovunque, non solo in una piccola comunità" ha precisato il regista Edoardo Gabbriellini che ha affidato a Cesare Cremonini il compito di realizzare le musiche. Il cantante, presente con tutto il cast alla conferenza stampa, ha svelato un retroscena. "Alcuni anni fa ho tenuto per me una canzone che dovevo dare a Morandi. Ora con i due pezzi che ho realizzato per il film ho esaudito il mio desiderio di scrivere per lui".

Morandi, eterno giovane
Per Gianni Morandi fare questo film è stata una sfida che ha accettato con il consueto entusiasmo: "Il personaggio che interpreto, anche se è un cantante, è molto differente da me. E' cinico e poco solare”.
Angelica Isola (TXT) (ore 18:53)

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The End of Time

Hermann Hesse diceva che "anche un orologio fermo segna l'ora giusta due volte al giorno". Per Sant'Agostino "il tempo non esiste, è solo una dimensione dell'anima", mentre per Platone è l'immagine "mobile dell'eternità". Da sempre l'uomo si è interrogato sullo scorrere misterioso dell'esistenza. Ci ha provato anche lo svizzero-canadese Peter Mettler in THE END OF TIME (Concorso internazionale). Con il suo documentario, il cineasta esplora il pianeta e le sue connessioni con l'uomo, passando anche dall'acceleratore di particelle del CERN.

"Un lavoro durato otto anni"
"Quando lavoro parto sempre da una idea di base", spiega il cineasta. "Per questa pellicola ho incominciato a riflettere sulle nubi, poi sono passato al tempo, alla trascendenza e agli spiriti religiosi". Nel documentario ci sono infatti anche delle scene di un rito funebre indù che si svolge vicino al luogo in cui Buddha raggiunse l'illuminazione. Per realizzare il lungometraggio c'è voluto molto tempo: cinque anni per l' ideazione e la raccolta dei fondi e tre per girare e montare il materiale raccolto non solo in India o in Svizzera, ma anche alle Hawaii e a Detroit.
Angelica Isola (TXT) (ore 18:39)

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Padroni di casa - La critica di Marco Zucchi

Chi sono I PADRONI DI CASA del film di Edoardo Gabbriellini? Forse sono le persone come il famoso cantante Fausto Mieli, interpretato da Gianni Morandi. Un uomo idolatrato, a prima vista buono, che ha smesso di cantare e si è ritirato in un piccolo villaggio montano dell’appennino tosco-emiliano rendendolo celebre, un luogo dove accudisce la moglie in sedia a rotelle interpretata da Valeria Bruni Tedeschi. O più propriamente i padroni di casa sono proprio gli autoctoni della località isolata nel loro complesso, gente che guarda in cagnesco chi viene da fuori, che ammazza i lupi anche se sono animali protetti e ci si trova in una riserva naturale, che non è molto lieta che si parli del suo paese per via di un cantante e che si trova a suo agio con la doppietta sotto braccio. E poi ci sono quelli che vengono a spezzare l’ordine costituito. Gli stranieri, in questo caso due fratelli piastrellisti romani interpretati da Valerio Mastandrea e Elio Germano. Arrivano per piastrellare la veranda del cantante, uno poco affidabile ma creativo, l’altro con la testa sulle spalle ma subito pronto ad insidiare una bellezza locale. Finirà nel sangue e non stiamo a spiegare come e perché. Ricorda per certi versi – ma con parecchio distacco dal punto di vista della riuscita artistica – quell’inquietante splendido piccolo film di Giorgio Diritti che si chiamava IL VENTO FA IL SUO GIRO. Ovvero, si parte con tutti che provano ad andare d’accordo e si chiude con le insanabili divergenze tra chi crede che una terra sia “sua” e chi arriva da presunto “usurpatore” che deflagrano tragicamente. Il difetto maggiore di questo film è che c’è troppo di tutto, ogni personaggio focalizza su di sé una sorta di richiesta d’attenzione narrativa che toglie un vero centro alla narrazione e la rende dispersiva, eccessiva, grandguignolesca e inutilmente estrema. Non un no pienissimo, perché gli attori – Germano e Mastandrea in particolare – provano sempre a metterci del loro in maniera proficua, ma neanche un sì. I maligni sussurrano che altrimenti, con un cast così, un film italiano non sarebbe a Locarno ma a Venezia, Roma o altrove. (ore 17:31)

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Il fascino senza tempo di Ornella Muti

Dopo Alain Delon, Charlotte Rampling e Elsa Martinelli, è giunta a Locarno un'altra star dal fascino senza tempo: Ornella Muti. Nonostante vento e pioggia, l'attrice italiana è arrivata domenica allo spazio cinema per chiacchierare con il pubblico senza un capello fuori posto. "Il sole è entrato nel Festival" scherza il direttore artistico Oliver Père. E in effetti appena lei inizia a raccontarsi, la gente (giunta davvero numerosa) piano piano comincia a dimenticarsi delle scarpe bagnate e dell'ombrello lasciato a casa o in albergo, mentre fuori c'è il diluvio.

Una carriera iniziata per caso
Di padre napoletano e madre russa, Ornella Muti (all’anagrafe Francesca Romana Rivelli) ha lavorato con mostri sacri del cinema come Mario Monicelli (ROMANZO POPOLARE) e Marco Ferreri (STORIE DI ORDINARIA FOLLIA). La sua carriera nella settima arte è iniziata molto presto, a 14 anni, e senza volerlo. "Ho accompagnato mia sorella a un provino e per caso hanno scelto me perché avevo l'età giusta per interpretare la protagonista" de LA MOGLIE PIU' BELLA, ha svelato l'attrice che per girare quel film si è assentata da scuola per due mesi, dicendo di essere malata.

"All'epoca vivevo tutto come un gioco", ha ricordato. Sul set, soprattutto le prime volte, non apriva bocca. Seguiva con attenzione i consigli dei cineasti consapevole di dover imparare un mestiere sul campo. Dunque tutti gli incontri professionali che ha avuto l'hanno arricchita.

"Inquieta e piena di dubbi e paure"
Un arricchimento che cerca anche ora. "Un attore è sempre inquieto, mai soddisfatto, pieno di paure e dubbi sul suo lavoro", ha detto. "Per lo meno è quello che sento io. Quando mi rendo conto che dentro di me c'è un piccolo ostacolo, vado avanti per vedere cosa mi fa paura". Timida e riservata, così si definisce, la Muti ha vissuto sul set de L'ULTIMA DONNA una delle esperienze professionali più dure. "A metà delle riprese ho smesso di parlare con il regista Marco Ferreri perché mi provocava". Poi però i due si sono chiariti e insieme hanno fatto altri film.
Angelica Isola (TXT) (ore 17:31)

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I turisti dell'omicidio

Che fosse un portatore sano di british humor lo si poteva già immaginare guardando il suo ultimo film, la commedia nera Sightseers (in Piazza oggi in seconda serata), ma nell’intimità della sala del Palazzo Morettini dedicata alle interviste ogni intuizione è stata confermata. Ben Wheatley -regista inglese quarantenne scoperto artisticamente grazie a un video virale che fece surriscaldare la rete e poi autore di spot, serie televisive e di tre lungometraggi (l’ultimo già presentato alla Quinzaine di Cannes) sa come far ridere raccontando ciò che ci fa più paura: la morte. Col suo sorriso da orsacchiotto ci confida che i protagonisti del film, Chris e Tina -turisti per caso, assassini a sangue freddo un po’ meno per caso- fanno esattamente tutto quello che ognuno di noi ha già sognato: uccidere chi ci dà noia. Brividi horror riscaldati da sicure risate questa sera in Piazza Grande. Ce le assicura lui, il simpatico orsacchiotto con un immaginario da Hannibal the Cannibal.
Deborah Caccaviello (ore 14:30)

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Widmer-Schlumpf a Locarno per il Pardo

"Se i Grigioni finiscono di tanto in tanto in prima pagina per l'apparizione di un orso, in questi giorni qui da voi è indubbiamente il leopardo al centro dell'attenzione", ha dichiarato scherzosamente la presidente della Confederazione Eveline Widmer-Schlumpf, giunta sabato a Locarno in visita ufficiale.

Nel suo discorso, la consigliera federale grigionese ha sottolineato l'importanza del Festival e il legame speciale che c'è tra Ticino e Grigioni per motivi geografici e tipo di economia, molto legata al turismo. Un settore, quello turistico, che sente la crisi economica dell’eurozona.
Angelica Isola (TXT) (ore 18:39)

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Mobile Home

Quando la simpatia e la risata contagiosa di un regista e di un attore ti cambiano la percezione di un film che hai appena visto.
Succede anche questo al Festival di Locarno: dopo aver incontrato i giovani François Pirot e Arthur Dupont davanti al loro camper posteggiato in rotonda (il terzo o forse addirittura il primo protagonista di Mobile Home) ero pronta a rivalutare questo primo "road movie immobile". Un filmetto senza troppe pretese, ma che in fondo ti può catturare nella sua semplicità. Volentieri ci lasciamo andare in poltrona per riconoscerci forse (chi non ha mai sognato di abbandonare tutto e partire in camper in giro per il mondo?), per ridere (spassoso e comico questo viaggiare stando fermi), anche per intenerirsi.
In Mobile Home traspare tutta la spiritosaggine, l'ironia e la goliardia di eterni Peter Pan della giovane troupe franco belga. Che dire: con loro faremmo volentieri serata (anche senza cinema).
Francesca Luvini (ore 18:37)

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Nachtlärm

Quanto batte forte il cuore di due genitori in crisi che si vedono rapire il figlio? L'angoscia e il panico di una grossa perdita può far avvicinare o allontanare due persone? Prova a dare una risposta il regista elvetico Christoph Schaub nel thriller NACHTLAERM, presentato in prima mondiale in Piazza Grande a Locarno. "E' una storia molto densa e estrema", spiega il cineasta zurighese vincitore nel 2009 a Locarno del Premio del pubblico con LA SPARIZIONE DI GIULIA. "Si tratta di un film di finzione, ma è chiaro che si racconta anche qualcosa della vita reale".

“Recitare in macchina, che fatica!”
La maggior parte della storia si svolge in macchina, tra inseguimenti e ricerche. Questo ha significato per gli attori recitare quasi sempre in uno spazio chiuso e con la telecamera che li riprendeva dalle spalle in su. "Dopo 4 settimane in auto, la vita era davvero dura per noi attori. C'era parecchio nervosismo", scherza Sebastian Blomberg. Inoltre recitare in un abitacolo non era facile. Il rischio era di ripetere sempre gli stessi innaturali movimenti. "All'inizio spostavo troppo il volante per far finta di guidare oppure guardavo immancabilmente nella medesima direzione".

Sul set anche un bambino di 10 mesi
In più c'era un altro aspetto curioso e, in un certo senso, problematico. Sul set c'era anche un bambino di 10 mesi. Per girare le scene drammatiche con lui, sotto l'occhio vigile della madre, lo staff ha dovuto usare dei piccoli trucchetti. Per farlo strillare, gli veniva data la pappa con qualche minuto di ritardo, per spingerlo a reclamare il cibo a gran voce. Il tutto rispettando sempre le sue esigenze. "E' stato davvero interessante lavorare con lui, osservare le sue espressioni facciali e seguire le sue emozioni", ha commentato l'attrice Alexandra Maria Lara. Da tutti si può imparare.
Angelica Isola (TXT) (ore 18:16)

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Join the cause

È di certo il cinema il carburante che fa andare avanti da ormai 65 anni il filmfestival di Locarno. Ma è bene abituarsi anche a energie alternative: ecco perché accanto alla programmazione del Pardo, trovano posto il Cambusindie Music Festival, il Teatro Paravento e la Rotonda del Festival. Target del Fuori Festival: 3-99 anni, come i puzzle della Ravensburger.
Ha preso avvio anche quest’anno la quinta edizione di Cambusindie Festival, l’unico festival dedicato alla musica indie originale, no cover band!, della Svizzera italiana, come scritto sul sito. L’estate musicale offre band esordienti e gruppi ampiamente affermati, provenienti sia dal Ticino che da Oltralpe, per offrire a tutti gli amanti della musica l'occasione di ascoltarla dal vivo. Il locale è noto per permettere un contatto intenso con i musicisti, rendendo l'esperienza musicale irripetibile.
E come può mancare? Il teatro Paravento festeggia quest’anno i 30 anni e ogni sera presenta almeno uno spettacolo che, fino alle 21, potrà essere apprezzato gustando i piatti della cucina italiana ed internazionale dello chef. La programmazione offre musica jazz, blues, aprendosi anche alle contaminazioni di musica latinoamericana e proponendo delle serate danzanti.
La Rotonda del Festival invece è famosa per la cucina internazionale e i suoi ospiti locali che non nutrono necessariamente la passione per il cinema ma permette di farsi avvolgere da un ambiente a cavallo tra la sagra locale e la kermesse.
Milena Stokar (ore 17:35)

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Mobile Home

Alla vigilia di un viaggio, la mente sogna, pregusta e immagina l'avventura che sta per arrivare. E' capitato a tutti di fantasticare stando fermi ed è quello che fanno a modo loro, in un camper, i protagonisti del film MOBILE HOME (Concorso internazionale). La pellicola, opera prima del cineasta belga François Pirot, racconta la divertente storia di due trentenni che rispolverano un vecchio sogno: girare in camper e vivere di lavori stagionali. Poco importa che non partiranno mai. La sola idea di andare lontano, di scappare forse dalle sfide del presente, gli consente di sollevare gli spiriti.

"Una generazione che cresce piano"
Un episodio simile è stato vissuto dallo stesso regista 34enne che conosce bene la generazione che ha portato sullo schermo. "I ragazzi di oggi a volte tendono a rimandare di molto l'entrata nella vita lavorativa e dunque diventano adulti lentamente" ci spiega. Tuttavia i motivi per cui il periodo di crescita si allunga cambiano da persona a persona. Per questo il cineasta ha voluto caratterizzare diversamente i due protagonisti. "Uno è senza difficoltà economiche e con angosce capricciose, l'altro è confrontato con problemi più intimi. Ci voleva un contrasto per rendere al meglio la storia".

"La crisi economica cambia tutto"
La fotografia scattata in questo tragicomico film ritrae una generazione di 'bamboccioni' che "non vogliono lasciare il nido familiare e che si credono indipendenti ma non lo sono", spiega il cineasta belga. Ora però la situazione nel mondo reale sta cambiando, vista la crisi che imperversa in Europa e colpisce molto i giovani. "La necessità sta tornando alla ribalta". Ribalta che nel film è conquistata anche da una giovane donna alla quale il cineasta affida il compito di condurre fuori da dubbi e insicurezze i suoi coetanei maschi. La generazione di oggi è in piena costruzione.
Angelica Isola (TXT) (ore 17:26)

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Berberian Sound Studio - La critica di Marco Zucchi

Un tuffo nella passione del regista e musicista inglese Peter Strickland per i b-movies horror italiani degli anni 70, in particolare per la fase della sonorizzazione e per le colonne sonore.
Il tecnico del suono inglese Gilderoy si ritrova a lavorare negli studi in cui si registrano gli effetti di un film sulla stregoneria. Strage di angurie con la mannaia per produrre i rumori splatter dei cadaveri smembrati; urla lancinanti di doppiatrici improvvisate per arricchire di tensione la pellicola. E intanto Gilderoy sembra entrare in un vorticoso incubo personale, claustrofobico come gli studi in cui sta lavorando e onirico-orrorifico come le atmosfere del film nel film.
Il titolo ha a che fare con Cathy Berberian e con il fatto che era sposata con Luciano Berio, ha detto il regista. Pare che lei fosse particolarmente colpita dallo studio milanese di Berio. Per il resto Strickland ha detto di ammirare molto Riz Ortolani e colonne sonore come quella di Cannibal Holocaust di Deodato, aggiungendo che quando le propone agli amici ha l’effetto straniante di sentirli dire: ma è la colonna sonora di qualcosa di romantico?
Film nel film, mise en abime, riflessione sul cinema come incubo realizzativo e classica opera per cinefili un po’ weirdo, come si dice in gergo, un po’ bizzarri, che si colloca bene in una selezione alla Père un po’ come Dernière Seance di Achard l’anno scorso.
I colleghi all’uscita erano abbastanza sconcertati, io però sarei per il "né sì né no"!
(ore 17:11)

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Une estonienne à Paris - La critica di Marco Zucchi

Una gloria assoluta del cinema come Jeanne Moreau calata in un ruolo di grande spessore soprattutto caratteriale: un’anziana signora estone, ormai radicata a Parigi da decenni, carismatica, ma da tempo depressa, scorbutica, scontrosa, demoralizzata, rinunciataria. L’uomo che l’ha amata a lungo e che ancora la ama ha una trentina d’anni meno di lei. E malgrado il suo attaccamento, è ormai orientato ad accettare il verdetto del tempo, che porta verso la fine. Però all’ennesimo tentato suicidio di Frida, il nome della donna, chiama una badante dall’Estonia, Anna, che dopo una lunga lotta psicologica riuscirà a scalfire il mal di vivere dell’anziana. Il regista parla di uno spunto autobiografico, in cui Anna è sua madre, Frida una signora che ha conosciuto. E Parigi è la Parigi tradizionale e mitizzata meta dell’emigrazione estone. Un film semplice, toccante, non arrendevole, che sfrutta bene la fortuna di avere a disposizione un'incredibile anziana leggenda del cinema e propone anche lo spunto per niente scontato di un amore, che sfocia nella devozione, tra una donna in là con gli anni e un uomo molto più giovane di lei. Un sì convinto. (ore 17:11)

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Mobile Home - La critica di Monica Bonetti

Una coppia di amici - trent’anni o giù di lì - la musica, gli scherzi, le storie d’amore finite, il lavoro che più che una professione consiste in una serie di occupazioni part-time, i sogni e gli ideali di gioventù ancora tutti da realizzare… Simon e Julien si conoscono dall’adolescenza e quando Simon torna a casa dei suoi in campagna, dopo aver lasciato fidanzata e lavoro, la loro amicizia riprende dove l’avevano lasciata anni prima alimentata di cameratismo e di progetti per grandi viaggi ed avventure.
Ma il camper che acquistano a questo scopo, la Mobile Home del titolo si rivela in realtà piuttosto immobile e li pianta in asso sul nascere della loro avventura, rinviando sine die le loro ambizioni di scoprire nuovi orizzonti e nuove eccitanti opportunità per le loro vite. Più che in un road movie i due si ritrovano sulla strada tout court.
Il regista belga François Pirot racconta in maniera realistica e con sguardo affettuoso che lascia intendere buona partecipazione personale, i tormenti di una generazione poco incline a immergersi nella vita adulta e nelle responsabilità e nelle scelte di vita che questa comporta. Lo fa senza tralasciare l’ironia e il grande affiatamento nell’interazione tra i due giovani e bravi attori protagonisti (Arthur Dupont e Guillaume Gouix, entrambi speranze del cinema francese amici anche nella vita) aiuta a regalare credibilità a un film lieve e dolce-amaro sicuramente convincente e godibile.
(ore 16:59)

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Nachtlärm

Cosa non si fa per calmare e fare dormire il proprio bimbo quando continua a piangere!
Nachtlärm è una piacevolissima caricatura su una situazione ben conosciuta da ogni genitore (!), ma con l'aggiunta di un intrigo: il furto dell'auto parcheggiata ad un autogrill... col bebè dentro!
Inseguimenti rocamboleschi, disavventure e situazioni tragicomiche a volontà per un piccolo film svizzero molto piacevole. Perché i protagonisti sono talmente sfortunati (per non dire di peggio...) che a un certo punto non si può che ridere! Non un capolavoro ma davvero simpatico.
Beh, anche Pane e tulipani aveva come spunto la dimenticanza, da parte di un uomo, della propria moglie all' autogrill... Queste aree di sosta! Ricordate? Ma è davvero così facile scordarsi di un parente stretto quando ci si ferma lì?
Michele Realini (ore 14:24)

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Comicità elvetica

È difficile fare satira in Svizzera.
Forse manchiamo di senso dell'umorismo. Forse il nostro problema d'immagine è quello di prenderci troppo sul serio. Forse il nostro riconosciuto grande pregio - la serietà - rischia qualche volta di essere un difetto... Forse le paranoie su chi siamo e su come appariamo sono appunto solo paranoie.
Come due pierini Simon Baumann e Andreas Pfiffner hanno girato per un'anno intero la Svizzera (ma solo quella tedesca: «non parliamo abbastanza bene francese e italiano e la satira è impossibile in una lingua che non parli bene») chiedendo ai loro interlocutori di aiutarli a realizzare uno spot che migliorasse l'immagine del paese all'estero. Un po' alla Michael Moore hanno posto i loro microfoni sotto il naso di pastori e giardinieri della domenica, giornalisti e ricchi abitanti della «Goldküste». Al limite della correttezza etica ne hanno tratto una spassosa serie di gag - ricche di luoghi comuni, ma anche di spunti di riflessione - in cui gli intervistati risultano sicuramente comici ma non propriamente intelligenti.
Fevi gremito e tante risate del pubblico, a partire da quello più giovane.
In sala anche Moritz Leuenberger che in uscita non si esprime sui contenuti politici della pellicola: «È un film in cui prevala la forma, ciò che è interessante è appunto questo: il format» ci ha detto.
Probabilmente ha ragione. Inutile chiedersi quanto rispecchi la Svizzera reale o quanto lecita sia un'operazione simile. Il modello è quello dei Frontaliers, di successo e sicura presa anche sui giovani. Un modello facile, forse troppo facile per temi che invece sono difficili. Ma c'è ancora qualcuno che ha voglia di fare fatica?
Monica Bonetti (ore 09:36)

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Satira, ma che prezzo?

Luci spente, cinema affollato, risata incombente.
La Svizzera ha un problema d'immagine e il duo svizzero (tedesco!) vuole rivalutarla chiedendo aiuto ai cittadini, a quelli da gerani e grill in giardino... E' ovvio, fa ridere.
E il mio vicino di poltrona lo fa sguaiatamente, commenta..."geniale!", applaude. Più lui si esalta, più io percepisco come una nota stonata... Sono io o è lui?
Perché al simpatico vicino -nonché collega (suppongo)- non disturba che queste persone vengano fondamentalmente prese in giro a loro insaputa? che si dica loro di voler fare un film pubblicitario sulla Svizzera mentre li si rende oggetto di ilarità?
Chedo aiuto ai registi: nell'intervista mi spiegano che Image Problem è un documentario-satira, ai loro interlocutori non hanno spiegato tutto perché neppure loro stessi sapevano cosa ne sarebbe diventato, ma che fondamentalmente volevano divertire e provocare una discussione su cosa è la Svizzera. Boh.
Sta di fatto che io continuo a chiedermi se il problema è mio: forse la loro scorrettezza è veramente geniale e le mie semplici paronoie etiche di una giornalista.
Francesca Luvini (ore 08:45)

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Il risveglio del festival

Se c’è un’esperienza che merita di essere fatta a Locarno in questi giorni di Festival è quella di arrivare presto la mattina. I negozi non hanno ancora iniziato le loro attività. Per strada ci sono poche automobili. La folla è ancora lontana. Arrivando con il treno non ti par vero di attraversare senza difficoltà e di poter raggiungere Piazza Grande godendoti il gioco di luci sotto i portici senza inciampare nella gente. E’ un momento particolare, che è ancora più bello se lo puoi condividere con un amico che incontri per caso (ma a Locarno è facile) e che ti invita a bere un caffè in tutta calma al tavolino del Bar vicino al tendone dello spazio Magnolia. Si è ancora un po’ addormentati: la giornata precedente è stata intensa e si è conclusa tardi, ma hai voglia di sentire cosa pensa l’altro della serata e dei film già passati, e che cosa si aspetta da questa nuova edizione. Pochi minuti, fatti di parole ma anche di silenzi, nella consapevolezza che di lì a poco arriveranno i festivalieri e l’atmosfera sarà di nuovo tutta diversa o, per meglio dire, sarà quella tipica della manifestazione. È giusto così, naturalmente. A Locarno ci si viene apposta. Ma assistere anche al risveglio, all’avvio della macchina del Festival, ti permette di vivere la tua giornata locarnese più intensamente, più intimamente. Provare per credere.
Maria Grazia Rabiolo (ore 08:27)

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Image Problem

Il volto della Svizzera di oggi è in salute? Oppure è solcato da alcune rughe? La sua immagine all’estero è legata a temi come segreto bancario o evasione fiscale? Se lo sono domandati in IMAGE PROBLEM, film svizzero presentato venerdì a Locarno (Concorso internazionale), i due registi rossocrociati Simon Baumann e Andreas Pfiffner. Dando vita a una finta inchiesta per restaurare l'immagine elvetica, hanno macinato chilometri tra i confini nazionali per porre domande volutamente ingenue alla gente su tematiche scottanti. Il risultato è un gioco al massacro ironico.

"Girato solo in Svizzera tedesca"
"Abbiamo iniziato a lavorare a questo film satirico tre anni fa", ha dichiarato Simonn Baumann, "dopo avere constatato che all'estero esistono due immagini della Svizzera". Una positiva (cioccolata e orologi a cucù) e una negativa (scandali bancari). "Con questa pellicola volevamo capire meglio la Svizzera e che paese vogliamo". I due cineasti hanno raccolto tante interviste con la gente che ha deciso di rispondere alle loro domande. Per problemi linguistici hanno deciso di non girare nulla né nella Svizzera italiana né francese. La battuta e la satira necessitano di comprensione immediata.

"In certe zone xenofobia constante"
Dalle interviste emerge un ritratto crescente di intolleranza e mancanza di solidarietà, sottolineano i due cineasti. "Abbiamo riscontrato una xenofobia latente e quasi costante in campagna e volevamo mostrarla", ha spiegato Andreas Pfiffer al secondo lavoro con Baumann. I due ci tengono a ribadire il loro intento satirico. "Abbiamo acuito delle situazioni e puntato su certi luoghi e su determinate persone" ha spiegato Baumann. "Sappiamo che la Svizzera non è tutta così ed è molto differenziata, ma non volevamo parlare di questo".
Angelica Isola (TXT) (ore 18:10)

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Compliance - La critica di Marco Zucchi

Siamo dalle parti della realtà che supera ogni immaginazione e infatti programmaticamente l’autore lo scrive a caratteri cubitali nel primo titolo di testa: TRATTO DA FATTI VERI
L’ambientazione è un fastfood dell’Ohio. La manager di mezza età, le cameriere che chiacchierano tra loro, una biondina che si vanta di avere tre fidanzati alla volta, l’altra bruttina che la guarda ammirata sospirando. Poi arriva una telefonata: è un uomo che si dice un poliziotto e annunica alla manager che la sua dipendente carina ha commesso un furto. Millanta una fantomatica denunciante lì di fianco a lui. La telefonata durerà quasi un’ora e mezza, sullo schermo, ma anche nella realizzazione del film, come ha spiegato il regista che ha detto di aver voluto una telefonata vera e non espedienti di montaggio. Un’ora e mezza in cui il sedicente poliziotto convince la manager a spogliare la dipendente per perquisirla, a segregarla in uno stanzino, poi spinge un altro uomo a sculacciarla e ad abusare della ragazza.
Come è possibile, si dice lo spettatore? È successo, 70 volte nella realtà, in 30 stati diversi, un uomo venne arrestato ma le prove non erano sufficienti. Da quel momento gli episodi di voyeurismo telefonico a sfondo sessuale cessarono. Film opprimente, che somiglia un po’ all’angoscioso surplace di Phoneboot In linea con l’assassino con Colin Farrell. Il difetto: è disturbante e spinge lo spettatore ad urlare «ma non è possibile che siate così stupidi!». Il pregio principale sono forse alcune scelte ellittiche che rendono ancor più forte il senso di fastidio. Né sì né no
(ore 18:00)

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Image Problem - La critica di Marco Zucchi

Una curiosità è che questo film svizzero è stato selezionato in ben due sezioni del festival. Era stato scelto per la settimana della critica, che propone solo documentari, poi ubi maior è finito in concorso, come uno dei due rappresentanti svizzeri. Fa discutere e pone anche qualche problema etico e cinematografico.
Simon Baumann e Andreaz Pfiffner hanno preso la camera, sono andati in giro per la Svizzera, soprattutto nella Svizzera profonda dei sobborghi residenziali e delle vallate idilliache, a sottoporre un problema alle persone.
La Svizzera ha un problema d’immagine all’estero. Vogliamo realizzare uno spot che ci metta in buona luce. Aiutateci esprimendo concetti positivi che valorizzino i punti forti rossocrociati. La gente sta al gioco, anche se non sempre, e non si capisce mai bene quanto prenda sul serio i due. Primo problema: perché poi loro utilizzano tutto il materiale per una farsetta. Ad un certo punto iniziano addirittura a prendere in giro esplicitamente gli interlocutori e quanto dicono. Secondo problema: la tecnica da pseudo-Michael Moore è un po’ debole e la struttura del film risulta discontinua, qualche volta noiosa e sterile. Per fortuna alla fine arriva l’ironico e autoironico spot, in cui tutte le persone viste nel tragitto entrano in maniera simpaticamente irriverente e in cui una Elvezia con scudo e lancia si erge da un’isoletta in un laghetto. E si chiama Dragica. Anche per l’abitudine molto svizzera, autoreferenziale e un po’ saputella di interrogarsi sempre sull’identità e sulla buona reputazione nazionale, il giudizio è né sì né no. (ore 18:00)

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Alain Delon non sorride con gli occhi

Ancora bello, un pizzico cinico, molto riconoscente nei confronti dei maestri che ha avuto: Alain Delon ha incontrato la stampa in una conferenza più volte annunciata e smentita fino ad arrivare al fatidico appuntamento. Si è raccontato con generosità ricordando gli anni in cui il cinema riusciva ancora a far sognare, si è definito un grande amante del cinema, ma di quello del secolo scorso! Ha ripercorso la sua carriera aprendo anche alcuni spiragli sulla sua vita personale come quando ha evocato la sua giovinezza che lo ha visto arruolato nella fila dell'esercito a 17 anni e in guerra, in Indocina, a 18 anni. L'incontro con il cinema lo ha salvato ed è iniziato per lui un momento felice e irripetibile.
Molto ironico, si è lamentato del caldo e continuando a detergersi il sudore ha dichiarato la sua ammirazione per il regista Johnnie To che sarà qui a Locarno nei prossimi giorni.
Non solo parole di ammirazione per To ma anche per Marlon Brando, attore al fianco del quale avrebbe voluto recitare. Non c'è mai stata l'occasione, Delon sarebbe stato disposto perfino a interpretare il ruolo di un cameriere che porta semplicemente il caffé al signor Brando.
Ha dispensato molti sorrisi sia a noi giornalisti sia al pubblico accalcato oltre le barriere. Sorride però solo con la bocca, gli occhi di Alain Delon rimangono di ghiaggio, impassibili e un po' duri.
Moira Bubola (ore 16:39)

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Faccia d'angelo Delon

"Cesare non invecchia, Cesare matura! Ave me!". Con queste simpatiche battute in ASTERIX ALLE OLIMPIADI, Alain Delon porta in scena un narciso Giulio Cesare che nega lo scorrere del tempo e definisce i suoi capelli non bianchi ma "illuminati". Lontano dalla finzione cinematografica, anche per l'attore francese (chioma argentea e rughe profonde) il tempo passa, ma lo sguardo d' acciaio scolpito su una faccia d'angelo rimane lo stesso e il fascino anche. Giovedì a Locarno, ha ricevuto il premio alla carriera, anche se lui lo considera un riconoscimento alla vita, una vita che si augura non finisca mai.

"Non temo la morte, ma l'infermità"
"Non ho paura della vecchiaia" confessa l'attore, che tempo fa aveva confidato di soffrire di depressione per un matrimonio finito. "Temo invece l'infermità fisica. Non vorrei mostrarmi mai sfigurato al pubblico che mi ha amato". Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti e Jean-Pierre Melville sono i cineasti con cui ha lavorato meglio perché, spiega Delon, avevano tre qualità fondamentali: capacità di mettere in scena gli attori, di spiegare e di filmare. "Con loro non ho mai avuto problemi. Sono un artista difficile solo con i registi imbecilli che non sanno fare il loro lavoro".

"E' il cinema che è venuto da me"
"Il cinema di oggi non è più come un tempo", commenta Delon, ricordando con piacere gli anni "viscontiani" di ROCCO E I SUOI FRATELLI E de IL GATTOPARDO. In totale ha recitato in più di 80 pellicole, molte delle quali drammatiche e non è un caso. "C'è una corda tragica che risuona in me. Sono le lacrime della mia infanzia che ritornano. La mia vita da piccolo è stata dura, prima di fare cinema. A 17 anni sono andato in guerra in Indocina. Ho fatto cose rischiose e poi è venuta da me la settima arte". Delon ci tiene a chiarire che è stato il "cinema è venire da lui e non il contrario".

"Brando e Lancaster miei miti"
"Il cinema non mi manca perché ho avuto tutto e conosciuto tutto", spiega Delon, aggiungendo che ora "preferisce vivere di ricordi". A fargli compagnia i personaggi che ha portato sullo schermo e che sono tutti speciali. "E' difficile dire qual è il mio preferito". Non ha dubbi, invece, sugli attori che ha ammirato: Burt Lancaster (con cui ha girato due film), John Garfield e Marlon Brando. Quest'ultimo per Delon è un mito. "Ero disposto a fare anche la parte di un cameriere per un secondo pur di recitare al suo fianco, ma non c'è stata l'occasione".
Angelica Isola (TXT) (ore 16:34)

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Berset, 'no a istituto cinematografico indipendente'

L'Ufficio federale della Cultura ha deciso di respingere la richiesta dell' associazione mantello della settima arte e dell'audiovisuale Cinésuisse di creare un istituto cinematografico indipendente. Lo ha comunicato venerdì a Locarno, durante una conferenza stampa, il consigliere federale Alain Berset. Secondo il capo del Dipartimento dell' Interno (e quindi della Cultura), la promozione cinematografica non può essere delegata a istituzioni esterne, perché è compito dello Stato "garantire le condizioni quadro favorevoli per stimolare la cultura" e venire incontro agli artisti.

Berset “Importanti le coproduzioni”
Per quanto i finanziamenti destinati ai film, Alain Berset ha ribadito che i nuovi principi entrati in vigore dall' inizio di quest'anno, nell'ambito della promozione cinematografica 2012-2015, sono uno strumento efficiente per sostenere la produzione, puntando su qualità e successo. Il cinema svizzero però deve continuare anche sulla strada della collaborazione fuori dai confini nazionali. Secondo il consigliere federale è importante siglare delle coproduzioni europee per farsi conoscere all'estero e partecipare a iniziative comunitarie come il programma di interscambio MEDIA.

"Il Pardo ha il nostro sostegno"
C'è poi il capitolo dei finanziamenti ai festival. Tutto tranquillo per il Pardo. "Il Festival di Locarno è molto importante per il paese e il cinema. Si impone anche a livello internazionale", ha detto Berset. "Bisogna sostenerlo e curarlo. Abbiamo la fortuna di avere il più piccolo dei grandi Festival". Gli fa eco il direttore dell'Ufficio federale della Cultura Jean-Frédéric Jaustin. "Locarno è internazionale e dobbiamo aiutarlo a mantenere questo livello".

Angelica Isola (TXT)
(ore 16:18)

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Uno sguardo dall'isola

LeOS CARax. C'è chi interpreta così il suo nome d'arte (vedendovi un'allusione alla prestigiosa statuetta), ma lui smentisce. Lo ha scelto da ragazzo, dice, quando non pensava ancora al cinema. Vedendo e sentendo il regista francese al Forum gli si può credere. Fosse stata davvero quella la sua ambizione avrebbe sbagliato strada. Pochi film realizzati faticosamente, diffusi in tutto il mondo ma visti da pochi... No, per Carax il cinema è un'isola alla quale si approda con difficoltà e dalla quale si vede con chiarezza il resto del mondo. Gli abitanti dell'isola sanno parlare soltanto il cinema. Le cose che vedono le devono raccontare ma possono farlo solo in questa lingua. Tanto peggio per chi non la conosce.
E cosa vede Carax guardando il mondo di oggi? Vede che uomini, bestie e macchine (tutte entità dotate di un cuore) sono minacciate dal virtuale, che di cuore non ne ha. L'enorme macchina da presa che ua usato nel primo film era una protagonista temibile, un oggetto bello e imponente con il quale fare i conti. Oggi le videocamere sono minuscole, insignificanti. Certo comode, poco costose ma neutrali, mollicce e subdole come tutto ciò che è digitale. I film si postproducono con computer che pochi dominano veramente, per schermi che non si sa come saranno: da quello di Piazza grande al telefonino che abbiamo in tasca.
L'effetto più temibile dell'irruzione delle reti e del virtuale è un'inquietante, generalizzata perdita di coraggio. Coraggio politico, morale e anche fisico. In rete è troppo facile sentirsi grandi pur essendo piccoli.
Questa però è solo una povera traduzione in italiano. La versione originale in cinema si può vedere nelle sale del Festival. Le opere di Leos Carax sono tutte programmate, dalla prima, BOY MEETS GIRL, all'ultima, HOLY MOTORS, passando per la più celebre, LES AMANTS DU PONT-NEUF.
A Locarno non riceverà l'Oscar. Il Pardo d'onore Swisscom, quello sì.
Mario Conforti (ore 15:30)

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Figlio di tanta mamma

Nome: Barnaby Southcombe, segni particolari: figlio di Charlotte Rampling, professione: regista.
Non deve essere facile avere una mamma-mito, ma in compenso si ha il privilegio di poterla far recitare. E scusate se è poco. "Io, Anna" racconta di una donna sola (LEI), che cerca timidamente di trovare un compagno dopo un matrimonio finito, dal quale è nata una figlia ormai grande e a sua volta mamma. E' un personaggio tormentato con pesanti ombre sul passato, esattamete il tipo che Charlotte Rampling dice di amare. E che le va pennello. Film noir, girato in una Londra crepuscolare, fra le alte costruzioni del Barbican Centre, vede in scena un altro grande attore, Gabriel Byrne, nella parte di un investigatore afflitto anche lui da solitudine e timidezza.
Charlotte Rampling ha presentato ieri sera al Fevi il film del suo figliolo, con professionalità e discrezione, mascherando bene il sentimento di orgoglio materno che certamente prova.
Chissà che rapporto hanno mamma e figlio? Nel film, Anna è una donna poco capace di relazionarsi con i bambini.
Cristina Foglia (ore 20:19)

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Lore

Inception, o innesto.
Nolan ha provato a spiegarcelo: quando un'idea viene radicata profondamente nella mente estirparla è praticamente impossibile.
Tutti prima o poi ci accorgiamo che siamo stati ingannati, che abbiamo subito una sorta di innesto.
I nostri genitori, anche in buona fede, ci hanno mentito.
Si erano solo spacciati per creature infallibili, che non facevano errori, che la pensavano nell'unico modo in cui è lecito pensare. E ancora: la società, con le sue regole che non per forza aderiscono alle nostre; i rapporti tra le persone, così definiti e catalogabili; le religioni che possono rivelarsi insoddisfacenti; le leggi ingiuste o ancora le idee politiche sbagliate.
Aprire gli occhi e realizzare che ciò in cui credevi era una bugia, coloro di cui ti fidavi erano nel torto e le tue più profonde basi erano campate per aria è un trauma che si può superare scegliendo di chiudere nuovamente gli occhi oppure rigirando il proprio mondo, e soprattutto se stessi, sottosopra, alla ricerca di una nuova consapevolezza.
Lore lo sa bene.
I genitori SS l'hanno tradita, spacciandosi per eroi detentori del sapere e delle soluzioni. Non solo, l'hanno anche abbandonata. L'ha ingannata l'amore, che ha fatto una breve comparsa per poi sparire tra i boschi di una nazione frantumata: la Germania della disfatta nazionalsocialista.
L'ha ingannata il Führer, che si era presentato come una divinità giunta per rendere la Germania forte, vendicare i torti subiti, sconfiggere i cattivi e debellare i parassiti.
L'ha ingannata la vita, che le aveva promesso di crescere nell'agio, di crearsi una famiglia, di ottenere quei risultati auspicabili da un'esistenza corretta: una casa, dei bambini, bei ricordi e un dolce passato da rievocare in vecchiaia.
Era tutto falso, anche il suo istinto, che non trovando più un nord a cui puntare ha vacillato e tremato. Persino quando Lore crede di essere finalmente al sicuro si deve scontrare con un muro di convinzioni altrui, di innesti radicati e inestirpabili.
La visione di tanto dolore e soprattutto di tanto "errore" diventa intollerabile, ed è impensabile accettare di richiudere gli occhi per paura di perdere l'apparente pace.
Per sopravvivere non resta che rifarlo: girare il proprio mondo e se stessi sottosopra, allenando per bene quel paio di occhi nuovi.
Chiara Fanetti (Rete Tre) (ore 18:32)

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Los mejores temas (Greatest Hits) - La critica di Marco Zucchi

Los mejores temas vuol dire semplicemente i più grandi successi, inteso nel senso discografico di greatest hits. Eppure non si deve pensare che nel film ci sia una profusione di canzoni pop o di esibizioni musicali. L’unica musica anzi sono alcune delle variazioni Goldberg eseguite al clavicembalo, abbinate a dei fermo immagine in cui i protagonisti guardano in camera dal divano.
Il trentenne messicano residente a Toronto Nicolàs Pereda racconta una storia molto semplice, un padre torna a casa dopo quindici anni e la famiglia, moglie e figli, non sa come dirgli che è il caso che si tolga di torno. Detto così sembra semplice, in realtà lo spettatore resta più volte sorpreso e spiazzato dal disinteresse per la linearità della trama.
Pereda sostiene che si tratta di un suo gioco cinematografico, ma in fondo anche di una riflessione artistica seria, sul tema della ripetitività. Nei suoi film tornano gli stessi volti nei panni degli stessi personaggi e film dopo film, come album rock, si compone una sorta di greatest hits di tipologie umane da far confluire qui.
Da cui poi l’idea di giocare su una sorta di mantra recitato dai personaggi, che vendono cd falsificati di una compilation di brani sentimentali e per fare pubblicità al prodotto devono mandare a memoria, ad alta voce, tutti i titoli.
Pereda sollecitato sulle possibili influenze del primo Jarmusch o di certi personaggi laconici di Wes Anderson, risponde di ispirarsi piuttosto a Xai Min Liang o a Apichatpong Weerasethakul.
Il limite di questo tipo di cinema è che le lodevoli intenzioni artistiche dell’autore si scontrano con il fatto che lo spettatore medio non conosce la sua opera in successione, non può godere del gioco di presunti rimandi e in sostanza rischia di rimanere piuttosto lontano dalla sensibilità dell’autore. Come dicono nei talent show: per me è no.
(ore 18:09)

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Jack and Diane - La critica di Moira Bubola

Una estate newyorkese, due giovani ragazze che si incontrano e si innamorano, corpi che mutano cercando la strada per esprimere la passione e la sofferenza. Bradley Rust Gray, regista americano con all’attivo diversi film e molto interessato ad indagare l’adolescenza, in Jack e Diane esplora i potenti sentimenti che solamente il primo amore riesce a sprigionare. Talmente potenti da trasformare il fisico, ed è questa insistenza sul corpo che rende il film struggente e poetico: Jack e Diane si imboccano, si sfiorano, curano le ferite dell’una che continua a perdere sangue dal naso e dell’altra che dopo una caduta con lo sketeboard e piena di graffi. Lo sguardo del regista è delicato, mai morboso. Le due interpreti sono molto credibili, giovanissime eppure già con diverse esperienze cinematografiche alle spalle. Riley Keough americana pronipote di Elvis Presley è anche nel cast di Magic Mike di Steven Soderbergh che vedremo, in seconda proiezione, in Piazza Grande venerdì 3 agosto; Juno Temple arriva dall’Inghilterra, mamma produttrice e papà regista, è tra gli attori de Il cavaliere oscuro. Il ritorno di Christopher Nolan.
Jack e Diane è un classico prodotto della scena indipendente statunitense, ci sono tutti i punti di forza di questo tipo di cinema: attenzione puntuale per la colonna sonora, per gli ambienti che non sono mai scontati e alcuni punti deboli come una certa ingenuità e scene un po’ troppo lunghe. Si tratta comunque di un buon film soprattutto per la delicatezza con la quale riesce a restituire la forza dirompente del primo amore.
(ore 18:00)

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L'eterno inverno russo

Fa caldo a Locarno. Un caldo umido e afoso. Ma Winter, Go Away! riesce lo stesso a farti rabbrividire. E le immagini di ghiaccio e neve dell'inverno russo c'entrano solo in parte.
È la forza di questo bel film-documentario, capace di essere profondamento politico senza scadere nel rischio della propaganda.
Ci riesce grazie alla scelta di mostrare senza filtri le storie dei manifestanti appartenenti a movimenti diversi, con un'operazione - per intendersi - diametralmente opposta a quelle di Michael Moore. Nessuna denuncia, neppure per commentare l'arresto delle Pussy Riot, il gruppo punk rock femminista il cui processo si celebra proprio in questi giorni, e le cui dichiaranzioni prima dell'ecclatante protesta che le ha rese celebri (e le ha portate in prigione!) compaiono nel documentario.
Certo si può obiettare che la scelta stessa delle storie da raccontare e il montaggio che le illustra sono una forma di interpretazione... l'oggettività, come insegnava Umberto Eco non esiste. Ma ciò che impressiona, ciò che fa anche un po' paura, nel lavoro dei 10 giovani russi è il ritratto di una Russia dove a non esistere è la libertà di esprimere il proprio dissenso.
Monica Bonetti
(ore 17:56)

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Winter, Go Away!

Le telecamere di 10 giovani registi moscoviti, diplomati alla scuola di cinema e teatro documentario, hanno messo a fuoco quest'inverno le diverse anime della Russia (pro e contro Putin), in concomitanza con le discusse elezioni presidenziali vinte da Vladimir Putin. Il risultato è Winter, Go Away!, in concorso nella categoria Cineasti del presente.
Sono molte le immagini cruciali del film. Per protestare contro possibili brogli, c'è chi issa uno striscione su un palazzo con la scritta "Putin vai via" e chi come il gruppo punk femminista Pussy Riot irrompe in una chiesa ortodossa. Non mancano i pareri delle persone che difendono Putin e puntano il dito contro i burocrati, e di quelle disilluse.
Con un serrato montaggio, gli autori senza dare un'opinione portano il pubblico tra i militanti e i poliziotti per le strade e nei seggi elettorali. Il film, mostrato in Russia solo in piccole città, per ora non ha scatenato nessuna reazione del Cremlino, ha detto la produttrice Marina Razbezhkina. Il futuro della Russia però non è roseo secondo Askold Kurov, uno dei registi. "Dopo la vittoria di Putin tutto non è tornato come prima, è peggio", ha detto. La primavera stenta ad arrivare.
Angelica Isola (ore 17:47)

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Jack and Diane

"Si aspetta per tutta la vita il primo amore che è un momento fondamentale di scoperta di se stessi. E' un soggetto che volevo raccontare e capire" ha detto Bradley Rust Gray, presentando il suo film JACK AND DIANE (Concorso internazionale), incentrato sulla storia frastornata di due ragazze adolescenti.

"Il mio desiderio non era quello di fare un film sull'essere gay, ma sull'amore in generale" approfondendo i diversi modi in cui si esprime, ha continuato il cineasta. Ha deciso di fare un film su una coppia di ragazzine solo dopo uno speciale, quanto casuale, incontro con due giovani innamorate per le strade di New York.

"L'amore è anche dolore"
Con questa sceneggiatura, Bradley Rust Gray si immerge nelle sensazioni profonde, a volte sconvolgenti, dell'amore e della paura dell'abbandono. "Essere terrorizzati è una componente dell'innamoramento", ha spiegato il regista. "Nell'attimo in cui ti innamori pensi subito alla perdita della persona vicina e ti rendi conto di quanto possa fare male". Da segnalare nella pellicola un piccolo cammeo di Kyle Minogue. La popstar dovrebbe arrivare a Locarno per venerdì quando verrà consegnato sul palco di Piazza Grande il pardo d'onore al suo amico e regista Leos Carrax.

(TXT) (ore 17:39)

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Un film sull’olocausto in Germania ma la tragedia che vi si sviluppa all'interno è universale

Se il concetto di habitus sviluppato da Pierre Bourdieu dovesse essere tradotto in immagine, Lore sarebbe il film ideale. Nel ruolo del titolo, la giovane e attraente Saskia Rosendahl – praticamente al suo debutto cinematografico – interpreta con grande empatia, serietà e sincerità il dilemma esistenziale dei bambini del dopoguerra. Ambientato in Germania nel 1945, il film racconta l'ingombrante scoperta di una ragazza: suo padre si è reso complice di un omicidio di massa.
Abbandonata dai genitori, entrambi arrestati dopo la caduta del Führer, la giovane – insieme ai fratellini – tenta di colmare i novecento chilometri che la separano dalla nonna. Lore è costretta ad accettare che a mentirle sia stata non solo la società tutta, ma anche il padre che ha sempre amato e di cui mai avrebbe dubitato.
Il clima del film si articola nella lotta della ragazza: contro gli schemi di pensiero, i sistemi percettivi, gli assunti, insomma, ritenuti fino a questo punto giusti, o quantomeno legittimi.
L'ha dichiarato alla conferenza stampa a Locarno la stessa regista, Cate Shortland: l'intento dell'opera è rappresentare il carattere psicologico dei bambini. Intenzione massicciamente osservabile nel film.
La regista – australiana, sposata a un ebreo tedesco – ha studiato la storia del nazismo e, in generale, nutre un forte interesse per la storia della Germania.
Oltre all’interesse di rappresentare la storia dal punto di vista dei più piccoli, il più giovane aveva solo sette mesi, s'intuiscono riferimenti ed echi dal dopoguerra italiano, Rossellini su tutti.
Milena Stokar (ore 17:33)

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Rampling, il potere dello sguardo

Dopo aver ricevuto l'Excellence Award in Piazza Grande, Charlotte Rampling si è presentata giovedì allo spazio cinema per parlare con il pubblico e il direttore artistico Oliver Père che l'ha definita fragile, fatale e capace di sedurre spettatori e registi. Gli occhi della 66enne attrice britannica sono gli stessi di sempre: grigi e taglienti come una lastra di ghiaccio. Gli appassionati la ricordano soprattutto per il ruolo dell'ebrea che canta a seno nudo con bretelle e cappello da SS in IL PORTIERE DI NOTTE. "Non è da tutti catturare l'immaginario collettivo con una parte", ha commentato lei.

"Visconti maestro di recitazione"
La carriera della Rampling non è magari ricca di film (negli anni '90 si è presa una pausa), ma quelli che ha fatto sono tutti significativi, a partire dall'opera di Luchino Visconti LA CADUTA DEGLI DEI. E' stato proprio il regista italiano, ha confessato l'attrice, a farle capire cosa significa recitare. "Dovevo interpretare una donna matura con due figli, ma io avevo 22 anni. Esitavo ad accettare la parte, ma lui mi convinse, dicendomi che nei miei occhi vedeva qualsiasi età". Il talento dell'attrice però non è sbocciato per caso. Ha fatto molta gavetta nei cabaret negli anni '60.

"Quando ero giovane c'erano molte possibilità"
"Mio padre sperava che diventassi una segretaria o una impiegata", ha detto la Rampling, aggiungendo che quando lei aveva 20 anni stavano cambiando molte cose nel mondo e c'erano "tante possibilità" per i giovani. Sul set ha lavorato con mostri sacri come Von Trier, Woody Allen, François Ozon, Sidney Lumet, alla ricerca sempre di film veri, impegnati e che parlano della realtà, anche quella scomoda. "Ho sempre voluto storie reali e non solo divertenti" ha spiegato. I ruoli complessi sono quelli che più l' attirano e molto spesso sono legati alle problematiche del mondo femminile.

"Bello lavorare con mio figlio"
Nel film del figlio Barnaby Southcombe, I, ANNA, la Rampling veste proprio i panni di una donna fatale e sconvolta. "È una storia d'amore pregnante" ha detto. "Sul set c'era una bella atmosfera". Nessun problema dunque a essere diretta dal figlio. Icona anticonformista, l'attrice ha portato in Ticino la sua bellezza non rifatta perché, come ha dichiarato in passato, "se avessi rialzato le palpebre col bisturi avrei perso il mio sguardo". Segue così la scia di Anna Magnani che diceva: "non togliermi le rughe che ci ho messo una vita a farmele".

"L'importante è il carisma"
Il critico Barry Norman ha coniato un verbo per definire lo stile dell'attrice: "To rample", ossia ipnotizzare l' uomo con sguardo, magnetico, ambiguo e erotico. Lei però ci tiene a fare una correzione: "per me rample corrisponde a una azione. Prima si cattura lo sguardo e poi si fa il rample".

Infine, sul finire della chiacchierata, la Rampling dà qualche consiglio sulla recitazione. "Si convince lo spettatore con carisma e magnetismo, anche se non si è belli". C'è già qualcuno tra il pubblico che prende appunti e a breve metterà in pratica gli insegnamenti, anche se non ha lo sguardo dell'attrice.
Angelica Isola (TXT) (ore 15:17)

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Incontro con Nick Love

Sigarone similcubano sempre nella mano sinistra, ma raramente in bocca, una tempra abbastanza ruspante degna dei personaggi dei suoi film, dagli hooligans di “The Football Factory” (a Locarno nel 2004) ai poliziotti con mazze da baseball del nuovo “The Sweeney” (che ha aperto il festival ieri sera): è Nick Love, regista britannico che da bambino seguiva l’omonima serie inglese dedicata ad un reparto speciale della polizia (il nome è gergale e deriva da Sweeney Todd, il personaggio portato sullo schermo in anni recenti da Tim Burton e Johnny Depp). Simpatico, diretto, franco, non ha paura di dire che non si aspettava che un festival importante scegliesse per l’apertura un film commerciale come il suo.
La ricetta per esportare il cinema inglese, che – ci ha detto – non riesce quasi mai ad uscire dall’isola e dall’isolamento: action, action e ancora action. Le sparatorie sono un elemento di presa universale. Forse a qualcuno potrà sembrare un ragionamento un tantino semplicistico (soprattutto nel periodo immediatamente post-Aurora), ma poi sullo schermo il suo protagonista Ray Winstone, poliziotto tetragono e duro come il granito, tende a rendere eloquente e concreto il concetto. Per non sbagliare, Love il sigaro non lo molla nemmeno per salire sul palco di Piazza Grande. Che gli dia sicurezza davanti a 7000 persone? Dalla coperta di Linus al sigaro di Linus…
Marco Zucchi (ore 09:07)

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Il pardo è tornato a ruggire

Si è aperto mercoledì, al chiostro affollato della Magistrale, il Festival di Locarno numero 65. In programma ci sono quasi 300 film, segno che il Pardo è in salute. Alla cerimonia era presente Alain Berset per la prima volta in qualità di consigliere federale. "Qui il sole è più intenso e caldo e le montagne sono più rosse, qui crescono castagni, la vite, mandorli e fichi e la gente è buona, educata e gentile". Con queste parole di Hermann Hesse sul Ticino, Berset ha iniziato il suo discorso. "Locarno a agosto per certi versi è la capitale culturale della Svizzera e al Festival nascono discussioni feconde".

Berset, "al Pardo si punta in alto come i rustici"
"Il Festival è una vetrina per il cinema svizzero e è una manifestazione aperta agli altri mondi" ha detto Alain Berset, aggiungendo che al Pardo si punta in alto. Il capo del Dipartimento dell'interno ha dichiarato di averlo capito dopo avere notato che i rustici nella regione sono costruiti "il più in alto possibile". Questo è lo "stesso spirito che anima il Pardo", una manifestazione apprezzata e affermata.
E per il 2022, il presidente della kermesse Marco Solari ha già un nuovo obiettivo: fare diventare questo evento ancora più grande, internazionale e conosciuto.

Speziali, "il cinema crea condivisione"
A fare gli onori di casa, durante l'inaugurazione, Carla Speziali. Il sindaco di Locarno si è detta felice che il Festival inizi il giorno della festa nazionale. "Il cinema crea condivisione", ha detto, invitando il pubblico a farsi trasportare dall'energia dei film. Dal canto suo il direttore artistico della manifestazione Olivier Père ha sottolineato che la 65ma edizione darà spazio, come sempre, a "giovani talenti e registi esperti" offrendo al pubblico un giro nel mondo di celluloide critico, indipendente e aperto perché "Locarno è tutto il cinema".
Angelica Isola (TXT)
(ore 21:01)

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Festa

L'edizione 2012 comincia sonnolenta. Un graduale risveglio, in questo 1° agosto con le strade senza il consueto brusio operoso del mattino, la maggior parte dei negozi chiusi, poche automobili in circolazione. Poi, uno dopo l'altro, si fanno avanti gli impegni e le lancette dell'orologio (le usiamo ancora?) impongono la loro presenza e vanno a scandire la prima giornata di questa 65esima edizione. Il sole si alza, si registrano le prime voci, si attribuiscono i primi volti ai tanti nomi, l'ingranaggio parte. Cancellara solo settimo ma primo per coraggio. La Piazza si prepara, sulle sedie giallo-nere un omaggio per festeggiare.
Chiara Fanetti (ore 18:40)

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Solari, 'siamo in un circolo virtuoso'

"In questi anni tutto è diventato un po' più facile, si è creato un circolo virtuoso": nel tradizionale appuntamento di presentazione dell'impegno RSI al festival del film, mercoledì mattina, il presidente della rassegna Marco Solari si è mostrato più che mai sereno. Una tranquillità finanziaria ("gli aiuti pubblici e privati sono stati più generosi") e artistica ("sono molto felice del lavoro di Père") quella espressa da Solari, dovuta anche al costante confronto/scontro con i media. "Anche grazie a loro, e alle critiche, Locarno sta ora crescendo in ogni sua manifestazione".
E in salute è pure la scena cinematografica della Svizzera italiana, ha spiegato la responsabile della produzione fiction RSI Gabriella de Gara. Sono 7 le opere coprodotte presenti quest'anno al festival, fra cui il lungometraggio TUTTI GIU' di Niccolò Castelli (CdP) e il documentario HANNES 'PUSSY' SCHMIDHAUSER di Victor Tognola. (sezione Histoire(s) du cinéma). La tv pubblica produrrà quest'anno anche le "highlights" di ogni giornata. Come ha spiegato Maurizio Canetta (capo dell'Info) "sono 2 minuti che saranno presentati la sera al pubblico di Piazza Grande e in tv dopo il TG Notte".
Mattia Coste (TXT) (ore 13:08)

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Il fascino discreto della diva

Un panama bianco, elegantissimo. Pantaloni e camicia portati con classe. Ho incontrato Elsa Martinelli l'indossatrice che ha stregato Hollywood, per un'intervista ed è stato un piacere ascoltare alcuni aneddotti di una carriera cinematografica costruita attraverso 64 film.
Mi ha raccontato del suo incontro con Orson Welles, di quanto sia stato generoso con lei e di come l'abbia diretta in ruoli stimolanti, come quando le ha fatto interpretare il ruolo di un'oca. La Martinelli ha dovuto cercare la voce giusta perché la sua è una voce profonda, ecco che per Welles ha invece sperimentato altri toni e cadenze: anche questo è il lavoro dell'attore! Un lavoro fatto di lunghe attese e di grande concentrazione, ore e ore passate sul set sempre pronti per il prossimo ciak e quando si lavora per uno dei mostri sacri di Hollywood non si può rifare una scena più di due volte.
Pensate che una carriera tanto importante è iniziata per caso: un fotografo notò Elsa Martinelli in una boutique e da quel momento si spalancarono, per la giovanissima ragazza nata a Grosseto, le porte dell'alta moda e del cinema. «Devo tutto alla fatalità» è con questa frase che è iniziato il nostro incontro.
Moira Bubola (ore 12:26)

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Il festival raccontato dalla RSI

Il fermento è palpabile in Piazza Grande questa mattina: ufficio stampa del festival, ristoranti, bar ma anche pubblico, addetti ai lavori e curiosi - complice la giornata festiva - vanno animandosi nell'attesa della cerimonia di apertura alle 18.00.
Per le redazioni RSI però il festival è già iniziato alle 11.00 con la tradizionale conferenza stampa RSI e l'annuncio degli appuntamenti e delle novità 2012.

In sintesi, per la radio:
- Nuovo orario per Speciale festival di Rete Uno alle 13.20
- Attualità culturale (alle 8.00) e L'altro festival alle 18.00 sono gli appuntamenti su Rete Due che offre anche la novità di un pomeriggio in diretta (martedì 7 agosto) dalla spazio Magnolia che avrà per protagonista la musica da film. Un pomerigio che culminerà con l'annuncio del premnio SUISA 2012 per la miglior colonna sonora svizzera.
- Su Rete Tre Arrivano i nostri ogni mattina alle 10.35 propone una scanzonata agenda della giornata mentre nel pomeriggio alle 17.00 Baobab racconta il festival con gli occhi dei più giovani.

In Televisione confermato l'appuntamento serale alle 19.00 con lo speciale TV Locarno 65 mentre la novità è la realizazione di un mini speciale con il meglio del festival in due minuti. Sarà diffuso in Piazza Grande prima dell'inizio del film e in TV dopo il TG notte.

Non mancheranno naturalmente gli appuntamenti negli spazi informativi di radio, televisione e teletext. come copiose sono le coproduzioni RSI presenti nelle varie sezioni del Festival (che trovate puntualmente presentate nella sezione I film).

Infine - ma se ci leggete lo sapete già ;-) - la copertura online: con le schede dei film corredate da link utili, informazioni e spezzoni video, con tutti i contributi diffusi, con il taccuino, che aggiunge racconti di quanto non è stato diffuso, e con il concorso MyPardo che vi invita a inviarci le vostre recensioni! (ore 11:18)

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Pioggia di stelle

La ricorderemo ancora per un pezzo l’operazione marketing-tappeto-rosso del 2011.
«Ho già l’ansia, l’anno prossimo bisognerà ripetersi» Marco Solari aveva salutato con queste parole l’archiviazione dell’edizione numero 64 del Festival del film di Locarno.
Certo non era facile riproporre un parterre come quello rappresentato da Harrison Ford, Daniel Craig, Leslie Caron ma anche Isabelle Huppert, Claudia Cardinale, Gérard Depardieu o Bruno Ganz.
Non facile ma non impossibile: Charlotte Rampling, Gael García Bernal, Kylie Minogue, Alain Delon, Ornella Muti o Elio Germano sono solo alcuni degli ospiti annunciati in arrivo. Certamente più Europa rispetto allo scorso anno ma una rosa di nomi capace di soddisfare gusti e palati eterogenei.
Red carpet a parte, sulla carta il programma oltre che interessante sembra coerente nel proporre itinerari di scoperta di cinematografie emergenti. Il dialogo tra storia del cinema e cinema di oggi e di domani che tanto piace al direttore artistico Olivier Père sembra assicurato soprattutto grazie a un calendario di incontri e di dibattiti particolarmente fitto.
Le luci in Piazza Grande si sono già accese con la proiezione gratuita del capolavoro di Alfred Hitchcock La finestra sul cortile (Rear Window, 1954): quasi 4'000 gli spettatori presenti domenica sera. Si replica la vigilia del Festival martedì 31 con La Risaia (1956) alla presenza della protagonista Elsa Martinelli, con il cortometraggio inedito di Dino Risi 1848 (1949), e con l’ultimo film della regista svizzera Korinna Sehringer Shouting Secrets (2011).
Poi dai giudizi sulla carta si passerà a quelli veri che riporteremo puntualmente in queste pagine. Nell'attesa potete riscaldarvi curiosando nella sezione I Film che riporta tutte le informazioni e i link ai film in programma nei due concorsi principali e in Piazza Grande.
Il primo appuntamento da segnare in agenda è quello con la serata inaugurale del 1. agosto a cui sarà presente il primo dei grandi ospiti: l’attrice inglese Charlotte Rampling alla quale verrà consegnato l’Excellence Award Moët & Chandon. Insieme alla cerimonia d’apertura è annunciato un omaggio sorpresa al natale patrio, curato dal regista Daniele Finzi Pasca.
Monica Bonetti (ore 08:30)

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