Mapplethorpe e le forme del desiderio 

Prima di morire di AIDS a soli quarantatré anni, Robert Mapplethorpe attraversa tutta la New York feroce e vitale degli anni Settanta e Ottanta. Insegue sempre, con ostinazione, una ricerca estetica quasi assoluta, fatta di ambizione creativa, disciplina formale e un’incessante tensione verso l’immagine perfetta. Due spinte, solo in apparenza opposte, alimentano il suo immaginario: da un lato l’aspirazione all’ordine e alla misura, dall’altro la fascinazione per l’eccesso, il desiderio e la dimensione erotica.

Le forme del desiderio è un titolo che sintetizza con precisione questa dualità, cuore dell’immaginario di uno degli artisti più influenti e controversi del Novecento. Le oltre 200 opere a Palazzo Reale, alcune inedite, rivelano la precisione con cui costruisce ogni immagine: la posizione del corpo, la direzione della luce, l’equilibrio dei volumi, la tensione dei gesti.

Il percorso espositivo si apre con i collage fine anni Sessanta e inizio Settanta, e prosegue con le Polaroid più audaci, a volte disturbanti, che documentano la scena omosessuale e sadomaso della New York dell’epoca.

Due sezioni centrali sono dedicate al legame dell’artista con la cantautrice e poetessa Patti Smith e con la bodybuilder Lisa Lyon.

Con Patti Smith sono stati amici, amanti e complici fin dai primi passi nella New York dei loro vent’anni. Condividono ambizioni, paure e una crescita artistica che si trasforma in un legame creativo e spirituale destinato a durare per sempre. Un famoso ritratto del 1968, è ancora distante dalla raffinatezza del Mapplethorpe maturo, ma emergono già i nuclei della sua estetica: purezza, rigore, capacità di cogliere l’essenza oltre la superficie. Una promessa dell’artista che diventerà.

Lisa Lyon, campionessa mondiale di body building, contribuisce con Mapplethorpe a ridefinire l’immagine del corpo femminile: potente, scolpito, iconico. Per il fotografo, Lyon diventa ciò che le statue antiche furono per gli artisti rinascimentali: un modello ideale, una forma da contemplare e reinventare.

Nella sezione dedicata agli autoritratti emerge una dimensione più intima e riflessiva: Mapplethorpe trasforma la macchina fotografica in un mezzo per indagare sé stesso, costruendo lungo gli anni un percorso visivo che segue la sua evoluzione personale e artistica. Attraverso posture eleganti, travestimenti e messe in scena sempre più audaci, fino agli scatti conclusivi segnati dalla fragilità, l’autoritratto diventa il luogo in cui il suo corpo si fa strumento di ricerca e rivelazione. In opere come Self Portrait del 1988, il volto scavato dall’AIDS restituisce una testimonianza diretta e priva di mediazioni, che chiama in causa il rapporto tra rappresentazione, vulnerabilità e consapevolezza della fine.

La mostra prosegue con una serie di ritratti in bianco e nero dedicati ad alcuni protagonisti della cultura pop del secondo Novecento, tra cui Andy Warhol, Peter Gabriel e Yoko Ono. Mapplethorpe non è attratto dalla celebrità in sé, ma da ciò che emerge quando la maschera cade. Il suo metodo si basa sulla sottrazione: elimina il superfluo, ascolta la forma e lascia affiorare l’essenza. Emblematico, in questo senso, è il ritratto di Isabella Rossellini: volto e spalle, privi di ornamenti, diventano una presenza rigorosa e rarefatta, che rivela la forza pura della forma e dello sguardo.

Nella sezione dedicata ai nudi maschili e femminili, uno dei capitoli più discussi e riconoscibili della produzione di Mapplethorpe, emerge con particolare chiarezza la sua ambizione di coniugare eros, classicismo e astrazione. Il celebre scatto del 1983 del modello Derrick Cross, in cui il volto scompare a favore di un’inquadratura serrata sul retro del corpo, rivela bene questo approccio. Tagli decisi e composizioni essenziali trasformano l’anatomia in forma pura: una sorta di studio accademico contemporaneo, in cui la tensione dei muscoli e il gioco di luci e ombre costruiscono un corpo-architettura più che un individuo.

Negli stessi anni in cui porta al limite la rappresentazione del corpo, Mapplethorpe sviluppa una serie molto meno conosciuta, dedicata ai fiori. Immagini raccolte e concentrate, in cui orchidee, calle e papaveri assumono la stessa gravità formale dei suoi nudi, trasformandosi in figure silenziose da contemplare. Pur attraversate da una sensualità sussurrata e metaforica, queste fotografie non generano lo stesso scalpore immediato dei nudi maschili o dei ritratti più controversi, che hanno contribuito a definire la reputazione dell’artista nell’immaginario collettivo.

La mostra si conclude con una sezione dedicata al dialogo tra fotografia e scultura classica. Servendosi della Hasselblad 500C, Mapplethorpe ritrae sculture antiche come se fossero corpi reali, riducendo la distanza tra la freddezza del marmo e la vitalità della pelle. Ne nasce un gioco di percezioni: la materia solida della scultura sembra farsi più vulnerabile, mentre l’immagine fotografica acquisisce una qualità quasi plastica, vicina alla tridimensionalità.