Architetture di fili

«I fili si ingarbugliano, si intrecciano, si spezzano, si snodano. Riflettono costantemente una parte del mio stato mentale, come se rappresentassero la condizione dei rapporti umani».

Così Chiharu Shiota racconta il significato profondo dei suoi intrecci di lana, soprattutto rossa o nera, che sono diventati il tratto distintivo della sua arte.

Il rosso evoca il sangue, l’energia vitale, e per l’artista è il colore che più di ogni altro esprime le relazioni umane. Shiota è inoltre affascinata da una credenza popolare giapponese secondo cui ogni persona nasce con un invisibile filo rosso legato al mignolo della mano sinistra: un legame simbolico che conduce alla propria anima gemella. Il nero, invece, è più astratto: richiama il cielo notturno, l’universo, i pensieri. È a partire da questo immaginario che Chiharu Shiota costruisce le sue monumentali architetture immersive, vere e proprie materializzazioni di memorie, emozioni e interrogativi esistenziali.

Le creazioni di Shioto si sono affermate per la capacità di invadere e trasformare lo spazio espositivo: per l’artista l’opera è prima di tutto un luogo in cui entrare, più che un concetto da decifrare. È l’esperienza immediata a scatenare la reazione del pubblico. Ed è da quella soglia sensoriale che nasce la possibilità di confrontarsi con i temi intensi a cui l’artista dà forma: perdita e sofferenza, relazione tra umano e cosmo, viaggio e migrazione.

«Faccio arte visiva, non letteratura», ribadisce spesso. Ed è proprio questa accessibilità, la capacità di parlare alle emozioni senza rinunciare alla profondità, a coinvolgere anche chi di solito si sente distante dall’arte contemporanea. Lo sottolinea anche il co-curatore Davide Quadrio nell’intervista al magazine culturale Neo: bambini, adulti, esperti e neofiti trovano nelle installazioni dell’artista qualcosa di immediatamente riconoscibile. L’arte di Shiota accoglie: permette allo spettatore di ritrovarsi, di sentirsi parte di un ordito più grande.

La forza del suo lavoro sta anche in questo: ciò che nasce da un’esperienza personale diventa collettivo e universale. Nell’installazione Where are we going? (2017/2025) l’artista utilizza barche fluttuanti per evocare l’idea della vita come un viaggio. Ogni individuo avanza verso una destinazione ignota, attraversando un oceano di esperienze, incontri e ricordi che plasmano il proprio cammino.
 

La monumentale Accumulation – Searching for the Destination (2014/2025) è composta da centinaia di valigie oscillanti, simboli di ricordi e spostamenti. L’opera diventa così un archetipo del viaggio che ciascuno di noi compie, un invito a guardarsi con occhi nuovi.

È invece legata all’infanzia, trascorsa su un’isola, Uncertain Journey (2016/2025): scafi di barche immersi in un fitto intreccio di fili rossi, metafora di viaggio e attesa.

Come evidenzia Davide Quadrio, la potenza visiva del lavoro di Shiota ha permesso al MAO di dialogare con linguaggi pop e con i canali comunicativi contemporanei – da Facebook a Instagram fino a TikTok – rendendo le immagini della mostra immediatamente riconoscibili e condivisibili. Una strategia che non ha abbassato il livello culturale, ma lo ha reso più accessibile, contribuendo alla sorprendente viralità del progetto. La prova di quanto il linguaggio dell’artista riesca a essere in sintonia con la sensibilità del nostro presente.